Pour les amateurs de beaux livres
Découvrez la sélection Beaux livres de la librairie Comme un roman (Paris 3e)
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Pop Forever : Tom Wesselmann
Collectifs
Coup de cœur des libraires- GALLIMARD
- Livres D'art
- 17 Octobre 2024
- 9782073068323
Tom Wesselmann (1931-2004) est considéré comme l'un des plus importants artistes Pop de sa génération, avec une production qui s'étend sur presque cinq décennies, des années 1950 aux années 2000. Né à Cincinnati, l'artiste fera de New York son lieu de vie et de création, et il y restera jusqu'à son décès, le 17 décembre 2004. Catalogue de l'exposition présentées à la Fondation Louis Vuitton, l'ouvrage explore toutes les périodes créatives de l'artiste et retrace les grandes lignes du mouvement Pop Art. Les oeuvres de Wesselmann seront entourées des plus grands noms du Pop Art et de ses héritiers, révélant alors les influences passées, ainsi que l'impact de l'artiste sur les futures générations. De Marcel Duchamp, à Ai Weiwei, en passant par Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Kaws, Jeff Koons, ou encore Martial Raysse, Meret Oppenheim, Tomokazu Matsuyama, Derrick Adams, Mickalene Thomas, c'est tout un pan de l'histoire de l'art contemporain qui prend forme dans un ouvrage sans précédent. Catalogue de l'exposition événement «Pop Forever. Tom Wesselmann» présentée à la Fondation Louis Vuitton du 16 octobre 2024 au 3 mars 2025.
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Kaïdara d'Amadou Hampâté Bâ illustré par Omar Ba
Omar Ba, Amadou Hampâté Bâ
- Diane De Selliers
- La Collection
- 24 Octobre 2024
- 9782364371415
Long poème allégorique en vers libre, rédigé en peul en 1968 avant d'être traduit en français par l'auteur lui-même, Kaïdara fait le récit du voyage initiatique de trois compagnons sur le chemin de la connaissance de soi et des choses.
Né en 1977 à Dakar, le peintre Omar Ba fait surgir sur la toile des figures hybrides et énigmatiques, dans un foisonnement de couleurs, de motifs et de textures. Omar Ba traduit à merveille le mystère et les enseignements du conte de Kaïdara.
Le texte
Long poème allégorique en vers libre, rédigé en peul en 1968 avant d'être aussitôt traduit en français par l'auteur lui-même, Kaïdara fait le récit du voyage initiatique de trois compagnons sur le chemin de la connaissance de soi et des choses.
Guidés par une voix mystérieuse et omnisciente, ces derniers se rendent au pays caché des génies-nains, rencontrant sur leur chemin 11 figures mystérieuses qui les incitent à poursuivre la route malgré leur ignorance et les difficultés rencontrées. Au terme de ce périple, ils rencontreront Kaïdara, génie polymorphe, dieu de l'or et de la connaissance, qui les couvre d'or avant de les renvoyer dans le pays des humains. Seul survivra aux périls du voyage du retour celui qui, n'aspirant qu'au savoir, se sera dépouillé de ses richesses en échange de trois conseils de sagesse. Les deux autres périront, obnubilés par la richesse et le pouvoir. Revenu chez lui, le plus sage des trois voyageurs règnera en monarque éclairé. Kaïdara, sous les traits d'un mendiant en haillons, lui révèlera finalement le sens caché des symboles rencontrés sur le chemin de son initiation.
L'auteur
Né en 1901 dans une famille peule, Amadou Hampâté Bâ grandit à Bandiagara (actuel Mali), où cohabitent multitudes de peuples africains, et fréquente l'école coranique avant d'être envoyé à l'école coloniale française. Devenu interprète pour l'état colonial, il est nommé à l'Institut français d'Afrique noire en 1942, où il se consacre à la collecte et à l'étude des littératures africaines, parcourant le territoire à la rencontre des détenteurs de cet héritage oral. Lors de l'indépendance du Mali en 1960, il fonde à Bamako l'Institut des sciences humaines puis devient ambassadeur à l'UNESCO en 1962 où il pousse son célèbre cri, " en Afrique, chaque vieillard qui meurt, c'est une bibliothèque qui brûle ". Inspiré par ce constat, Amadou Hampâté Bâ a dédié sa vie à son rôle de passeur du patrimoine culturel peul et plus largement africain, oeuvrant à sa défense et sa diffusion, notamment grâce à la transcription en français des récits issus de la littérature orale africaine. Son itinéraire personnel et la mission qui a animé sa vie font de lui un modèle d'humanisme et de bienveillance.
La peinture d'omar ba
Travaillant sur des fonds qu'il enduit préalablement de peinture noire, Omar Ba fait surgir sur la toile des figures hybrides et énigmatiques, qui dessinent une cosmogonie poétique dans un foisonnement de couleurs, de motifs et de textures. L'art d'Omar Ba s'adresse à tous et invite à une lecture active : la puissance et l'expressivité de ses compositions engagent le spectateur dans une réflexion profonde. Jouant des intrications entre les mondes visible et invisible, mais aussi des ambigüités entre le traditionnel et le contemporain, Omar Ba traduit à merveille le mystère et les enseignements du conte de Kaïdara. -
Family ties
Tina Barney
Coup de cœur des libraires- Xavier Barral
- Beaux Livres
- 19 Septembre 2024
- 9782365114134
Exposition :
Jeu de Paume, Paris
28 septembre 2024-19 janvier 2025
Figure de la photographie américaine contemporaine, Tina Barney entreprend, à la fin des années 1970, de photographier ses proches et amis, issus, comme elle, des classes aisées de la côte Est. Par sa pratique des portraits qu'elle développe dans les années 1980, et en fine observatrice des rituels familiaux, elle va s'intéresser particulièrement aux relations entre les générations, à la question de la transmission, mais aussi aux décors et aux codes vestimentaires. Ses portraits en couleurs de la haute bourgeoisie américaine et européenne - souvent de groupe et de grand format, à la croisée des instantanés familiaux et de tableaux photographiques à la composition millimétrée - regorgent de micro-expressions et tensions visuelles, comme autant de gestes révélateurs d'une sorte de dérèglement qui se cacherait sous la surface des images. Pris dans des contextes plus intimes et généralement invisibles pour le monde extérieur, ses grands formats permettent, par les nombreux détails qui s'y trouvent réunis, de composer autant de récits possibles sur le quotidien de ces riches familles, à la manière des soap opera populaires des années 1980.
Cet ouvrage, qui accompagne la première exposition rétrospective en Europe de l'artiste, présente soixante oeuvres - quintessence de son approche du médium - réalisées de la fin des années 1970 à nos jours. Un essai du commissaire de l'exposition et directeur du Jeu de Paume, Quentin Bajac, viendra compléter cet ensemble photographique, ainsi qu'un entretien de Tina Barney avec l'historienne de la photographie et curatrice, Sarah Meister. Ces textes permettront de comprendre, d'après les propos de l'artiste, sa démarche et son approche : son intérêt pour la notion de famille et les rituels, sa pratique du grand format, son art de la composition de groupes et de l'instantané, sa conception de la couleur, son goût pour les expériences visuelles complexes et la relation de ses images à la peinture. -
Éditions Xavier Barral - Valparaiso - Sergio Larrain
Photographies : Sergio Larrain
Textes : Sergio Larrain - Pablo Neruda
Valparaiso
Cette nouvelle édition du Valparaiso de Sergio Larrain est exceptionnelle à plus d'un titre : elle est fidèle à la maquette établie par l'artiste en 1993 en réponse à l'édition originale publiée par Hazan en 1991. Cette version présente pour la première fois des photographies inédites prises entre 1952 et 1992 (120 images au lieu de 38). Ouvrage intime, les notes manuscrites et les textes engagés de l'auteur nous font partager sa vision singulière du monde. Sans oublier le texte de Pablo Neruda, "Le Vagabond de Valparaiso", spécialement écrit pour Sergio Larrain.
Sergio Larrain a traversé la planète photographique tel une météorite. Son souci de pureté, son attrait pour la méditation l'ont conduit à abandonner son métier de reporter et à s'isoler dans la
campagne chilienne. Il se consacre alors à l'écriture et la peinture, tout en continuant à aimer profondément la photographie. Sa pratique se limitait alors à quelques poèmes en image appelés
" satori ", purs moments d'éblouissements.
Sergio Larrain
Né en 1931, le jeune Sergio Larrain grandit au Chili dans une famille de notables éclairés. Très vite, il cherche à s'éloigner de son milieu familial et part étudier à Berkeley, aux États-Unis. D'abord intéressé par les questions écologiques, il va très vite s'orienter vers la photo tout en ne sachant pas très bien comment gagner sa vie. La découverte de l'objet Leica va être déterminante. Il commence à photographier librement au fil des rues à Santiago ou Valparaiso puis devient photographe free-lance. Très impressionné par Henri Cartier-Bresson, son oeuvre et sa liberté, il lui présente son travail sur Los abandonados (les enfants abandonnés des rues de Santiago) lors d'un voyage en Europe. C'est ainsi qu'il se voit proposer de rejoindre la coopérative Magnum en 1960. Sergio Larrain commence alors une carrière de photographe international, réalisant des reportages pour de nombreux journaux. De retour au Chili il mènera un long travail, devenu mythique, sur
Valparaiso en collaboration avec Pablo Neruda qui écrira le texte. Méfiant à l'égard du monde de la presse, il cesse peu à peu de collaborer avec elle pour s'intéresser davantage aux pratiques de la
méditation tout en restant actif au Chili. Dans les années 1980, il va finalement décider de vivre retiré à la campagne pour pratiquer yoga, méditation et dessin jusqu'à la fin de ses jours. Ses archives sont représentées par Magnum Photos. -
Surréalisme
Didier Ottinger, Marie Sarré
Coup de cœur des libraires- Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 28 Août 2024
- 9782844269881
Le surréalisme d'abord et toujours : exposition, Paris, Centre national d'art et de culture Georges Pompidou, du 4 septembre 2024 au 13 janvier 2025.
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Ut musica poesis : poésie visuelle et sonore au Moyen âge et aujourd hui
Nathalie Koble
- Macula
- 17 Mai 2024
- 9782865891559
De la partition sur la page médiévale à la partition d'opéra prise à la source du lyrisme courtois, en passant par les expériences poétiques qui associent le corps à la voix, le mot à l'image, cet ouvrage met en évidence des filiations peu connues entre les avant-gardes poétiques du second XXe siècle et des corpus poétiques médiévaux. Collaboratif, ce livre réunit des médiévistes et des contemporanéistes, et propose quatorze analyses de cas pour approfondir l'histoire de la poésie visuelle et sonore. Le livre est organisé en trois chapitres ; le premier, « Partitions poétiques, poésies sonores », explore conjointement la façon dont la poésie, de l'époque médiévale à l'extrême contemporain vit hors du livre, transite par les voix et les corps, et la manière dont les supports (manuscrits, livres, revues, rouleaux, partitions, disques, cassettes...) gardent la mémoire et la trace de ces performances. Le deuxième chapitre, « Les yeux des oreilles : poèmes à voir », se concentre sur la poésie visuelle, dans la longue durée. Du brocard de soie perdu, brodé par la poétesse chinoise du IVe siècle Su Hui, aux oeuvres typographiques et tissées de Josef et Anni Albers, en passant par les dessins, rébus et calligrammes des copistes médiévaux, les différents supports accueillent de multiples jeux de lettres, de formes, de formats et de signes qui font de la poésie un terrain d'expérimentations graphiques. Enfin, le troisième chapitre, « Ut poesis musica : scènes courtoises contemporaines », confronte deux opéras récents qui s'emparent de légendes attachées à des troubadours et font littéralement revenir deux poètes médiévaux sur le devant de la scène - L'Amour de loin de la compositrice finlandaise Kaija Saariaho sur un livret d'Amin Maalouf et Written on skin de George Benjamin et Martin Crimp. Pour réfléchir au lien entre mémoire et performance, poésie et expérience, mais aussi geste critique et invention, le livre s'ouvre aussi à la parole des poètes et des artistes : y figurent trois entretiens, avec les poètes Michèle Métail et Vincent Barras, dont des extraits d'oeuvres sont offerts à la lecture, ainsi qu'avec le metteur en scène Benjamin Lazar, au sujet de sa mise en scène par temps de confinement de l'opéra Written on skin.
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Le Dehors dedans : Averroès en peinture
Jean-baptiste Brenet
Coup de cœur des libraires- Macula
- Patte D'oie
- 4 Octobre 2024
- 9782865891580
Cet essai sur la représentation du penseur arabe dans la peinture italienne entre les XIVe et XVIe siècles s'appuie sur la lecture d'oeuvres particulières. Il est suivi d'un corpus de textes latins médiévaux témoignant de la querelle théorique que présupposent ces représentations d'Averroès. L'ensemble remet en question l'image de l'Europe chrétienne comme héritière directe de la pensée grecque
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Des oiseaux
Sebastião Salgado
Coup de cœur des libraires- Xavier Barral
- 7 Novembre 2024
- 9782365114189
Fidèle à ses principes esthétiques et à ses engagements d'acteur environnemental, Sebastião Salgado est aujourd'hui l'un des plus grands noms de la photographie contemporaine.
Depuis plus de cinquante ans, le photographe brésilien parcourt tous les continents sur les traces d'une humanité en pleine mutation. Tout en témoignant des événements majeurs qui ont marqué notre histoire récente - confl its internationaux, famine, exode, exploitation de l'homme par l'homme -, il n'a cessé de nous faire découvrir des territoires vierges et des paysages grandioses. Sa signature est une
iconographie proche du sacré : lyrisme des grands espaces, ciels incandescents, cadrages purs, contrastes saisissants. Ses photographies puissamment construites, aux nuances de blancs, de noirs et de gris nimbées d'une lumière hypnotique, et ses tirages d'une qualité unique ont imposé un style singulier apprécié du plus grand
nombre. La faune et la fl ore, dans leur univers originel, ont toujours tenu une place à part dans son oeuvre. À travers elles, Salgado met en exergue la préciosité de la vie et la préservation de la nature qui lui sont si chères.
Pour la collection Des oiseaux, Sebastião Salgado s'est replongé récemment dans ses imposantes archives afi n de nous révéler des espèces rares - manchots, albatros, pétrels, urubus, toucans, et autres aras - qu'il n'a cessé de photographier, depuis des décennies, sur terre
comme en mer, et dans des contrées reculées, que ce soit en Amazonie, en Antarctique ou en Afrique. Ce livre, qui présente de nombreuses images jamais publiées, est une véritable ode à la beauté de notre planète. -
Klimt : L'art plus grand
Philippe Thiébaut
- Éditions Hazan
- L'art Plus Grand
- 9 Octobre 2024
- 9782754114059
Figure majeure de l'Art nouveau et créateur du mouvement de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est aujourd'hui mondialement célèbre pour son tableau Le Baiser. Cette étreinte éternelle, emblématique de son cycle d'or, symbolise une oeuvre puissamment décorative et novatrice.
Au coeur de la Vienne fin de siècle, capitale d'un empire en déclin, Klimt participe du bouillonnement intellectuel, scientifique et culturel de l'époque, porté par une bourgeoisie qui soutient la création picturale et offre un cadre propice à de nouvelles formes d'expression artistique.
Au travers de ses grandes fresques monumentales, telles que les frises Beethoven et Stoclet, ses portraits féminins sensuels et énigmatiques, marqués par les noms d'Emilie Floge et d'Adèle Bloch Bauer, ou encore ses envoûtantes allégories mythologiques, ses jardins luxuriants et ses paysages oniriques, Klimt ambitionne de réaliser une oeuvre d'art total, unissant peinture, architecture et musique. Il opère alors une véritable révolution stylistique autour de ses thèmes de prédilection que sont la beauté féminine, l'érotisme, la vie et la mort, dans un foisonnement de motifs végétaux et animaliers, de spirales et d'arabesques, de textures précieuses souvent rehaussés à la feuille d'or, dans un entrelacs de lignes courbes et ondoyantes.
Dans sa volonté de briser les conventions artistiques de son temps, Klimt, artiste engagé, a ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique, et a su défendre sa conception de l'art moderne qui seul peut sauver l'humanité et la conduire à la connaissance du bonheur.
La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.
Cet ouvrage consacré à Klimt propose les six dépliants suivants :
La frise Beethoven
Adèle Bloch Bauer
Serpent d'eau (I et II)
Le Baiser
Vierges
La frise Stoclet -
Une façon de vivre : L'art de Willem de Kooning
Judith Zilczer
- Phaidon France
- Beaux Arts
- 7 Novembre 2024
- 9781838668877
La monographie la plus comple`te a` ce jour sur Willem de Kooning, figure de proue de l'expressionnisme abstrait aux E´tats-Unis.
Une façon de vivre : l'art de Willem de Kooning est l'ouvrage le plus complet sur l'un des peintres les plus influents du XXe siècle. Ponctuée de citations de l'artiste, cette e´le´gante monographie retrace la vie personnelle et artistique de Willem de Kooning, de ses ce´le`bres Woman a` ses dernie`res toiles, a` travers de nombreuses photographies personnelles et reproductions qui remettent son oeuvre en contexte.
Judith Zilczer est autrice et commissaire d'exposition honoraire au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de la Smithsonian Institution, a` Washington. Elle est conside´re´e comme une spe´cialiste de premier plan de l'art de Willem de Kooning.
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Le Corps de l'artiste : L'empreinte oubliée de la vie dans l'art
Andreas Beyer
- Actes Sud
- Les Apparences
- 9 Octobre 2024
- 9782330197087
Partout des formes et des figures, mais nulle part un corps ! À bien y regarder, l'histoire de l'art a en effet oblitéré la part corporelle, physique, "bassement" matérielle de la création - le corps de l'artiste, dans ses excès et ses besoins, ayant presque toujours été laissé dans l'ombre. Pourtant, les artistes de la première modernité n'ont cessé d'être les sismographes de leur corps. C'est pour restituer cet autre versant de l'histoire que l'ouvrage d'Andreas Beyer se dresse. Il réhabilite la corporalité de l'artiste et déploie la forme de vie incarnée des anciens maîtres en se concentrant sur la Renaissance, époque où l'individu déborde littéralement dans son oeuvre.
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Maître de la photographie couleur, Harry Gruyaert livre ici " sa " Belgique, pays qu'il sillonne depuis plus de soixante ans.
Flamand de naissance, Gruyaert sait depuis longtemps que sa terre natale est " un endroit visuellement intéressant dans lequel il se passe des choses incongrues ". L'univers chromatique typique du photographe dresse ici le portrait d'une Belgique où le quotidien peut basculer en un instant dans l'étrange. Ces images évoquent parfois des collages surréalistes, mouvement artistique dont les représentants belges étaient fascinés par l'étrangeté de la réalité. Sens du grotesque, du sarcasme, banalité, mais aussi émotion et une certaine tendresse s'esquissent au fil d'images de carnaval, de processions religieuses, de petites localités hérissées de maisons en briques... Les ciels sont souvent bas, les lumières cristallines, les couleurs saturées pour damer le pion au froides atmosphères du nord.
Au fil des pages se déroule un long travelling : la notion de temps semble ici anéantie, l'objectif du photographe saisit la singularité d'une nation, capture un quotidien qui se déploie comme un décor de cinéma hyperréaliste. Éclairages urbains, néons de devanture, regards qui se dérobent derrière les sages rideaux d'habitations de banlieue, passants costumés errants après une fête arrosée, quais de gare plongés dans des matins brumeux, faune de nightclubs déjantée, zones périurbaines aux mornes façades, ports ne dormant jamais, campagnes aux lignes d'horizon infinies, la Belgique de Harry Gruyaert est un condensé de l'art du photographe : une attention extrême aux couleurs et aux lumières qui restitue le caractère fugitif des choses. En contrepoint à ces photographies couleur, quatre portfolios d'images en noir et blanc réalisées dans les années 1970 - protohistoire du photographe - et reproduites sur un papier offset, viennent scander cette immersion visuelle de ce voyage au plat pays. -
Caillebotte, peindre les hommes
Allan Scott, Gloria Groom, Paul Perrin
Coup de cœur des libraires- Éditions Hazan
- 2 Octobre 2024
- 9782754117074
Le catalogue de l'exposition « Caillebotte, peindre les hommes » met au jour, pour la première fois, la prédilection de Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, et interroge la modernité si radicale des chefs-d'oeuvre de l'artiste au prisme du nouveau regard que l'histoire de l'art porte sur les masculinités du XIXe siècle.
Dans sa volonté de produire un art vrai et neuf, Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d'Haussmann, les villégiatures des environs de la capitale), les hommes de son entourage (ses frères, les ouvriers travaillant pour sa famille, ses amis régatiers, etc.) et en fin de compte sa propre existence. Répondant au programme « réaliste », il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, l'homme au balcon, le sportif ou encore l'homme nu dans l'intimité de sa toilette. À l'époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine, mais aussi de première crise de la masculinité traditionnelle, la nouveauté et la puissance de ces images questionnent aussi bien l'ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle d'un jeune et riche parisien, Caillebotte porte au coeur de l'impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine.
Cet ouvrage réunit les plus importants tableaux de figures de Caillebotte mais aussi des pastels, dessins, photographies et documents. -
Paradis naturistes
Bernard Andrieu, Amélie Lavin
- Éditions de la Martinière
- 28 Juin 2024
- 9791040119906
À partir du XVIIIe siècle, le mot « naturisme » désigne des pratiques thérapeutiques nouvelles fondées sur l'utilisation des éléments naturels (eau, soleil, mer) et sur des pharmacopées à base de plantes. Le terme est ensuite associé au tournant du XXe siècle aux mouvements utopistes de rénovation sociale en Allemagne et en Suisse, qui tentent de rompre avec l'urbanisation et l'industrialisation croissantes pour promouvoir une philosophie panthéiste de retour à la nature. En France, plusieurs lieux de pratique remarquables se constituent dès l'entre-deux-guerres (Villecresnes, Villennes-sur-Seine, Hyères, Montalivet, Cap d'Agde).
Cet ouvrage permettra de contextualiser l'apparition de ce mouvement mais aussi de montrer comment il rencontre nos questionnements actuels. Face à la diversité des corps et des milieux, les pratiquants du naturisme défendent très tôt des valeurs écologiques et égalitaires?: être ensemble implique le respect de l'intégrité corporelle de chacun et chacune, le partage d'expériences et de milieux naturels, la recherche d'une santé durable. Des valeurs qu'on retrouve aujourd'hui dans l'engouement croissant pour les médecines alternatives, pour l'alimentation bio, et le mouvement body-positive, qui lutte pour l'acceptation et l'appréciation de tous les types de corps. -
L'Odyssée au Louvre : Un roman graphique
Barbara Cassin
- Flammarion
- Catalogue D'exposition
- 27 Novembre 2024
- 9782080462411
Ulysse aux mille tours est un héros contemporain, naufragé et inventif, nostalgique d'un ailleurs et nostalgique de chez lui. C'est un héros grec, bien sûr, qui choisit d'être mortel, d'avoir un nom, d'être un soi-même racontable, d'inventer un discours qui gagne, et d'être reconnu. Les mots de l'Odyssée sont mis devant nos yeux par les vases qui écrivent au Louvre, galerie Campana, un roman graphique. Nous comprenons alors ce qu'est un monde païen, et comment Homère, la Bible ou la science ne nous tyrannisent pas de la même manière. Au terme de ces conférences de la Chaire du Louvre, j'ai cru voir comment nous étions grecs. B. C.
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Le nouveau numéro de Légende est consacré à Frida Kahlo, artiste au destin singulier, broyée mais jamais brisée, qui sut faire des drames de sa vie la source d'une oeuvre multiple, ou` se mêlent modernité picturale et tradition mexicaine, engagement marxiste et exploration intime de son corps et de son esprit. Rarement le mot « légende », ce qu'il signifie de fiction mêlée au réel, n'aura si bien défini un personnage. Elle qui absorba le masculin dans le féminin et vice versa ; elle qui changea sa date de naissance pour naître au monde l'année de la révolution mexicaine (1910, au lieu de 1907, se rajeunissant de trois ans). Et bien sûr, malgré sa disparition prématurée, reste ce legs universel qui éclate dans ses oeuvres d'artiste majeure du XXe siècle, de ses autoportraits rêvés en scènes oniriques peuplées d'anges et de démons.
