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Buruko hura nork egin zion jakin nahi zuen satortxoa
Werner Holzwarth
- Pamiela k
- 7 Novembre 2001
- 9788495123794
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De la petite taupe qui voulait savoir qui lui avait fait sur la tête
Werner Holzwarth, Wolf Erlbruch
- Milan
- 11 Avril 2018
- 9782745998330
Comme tous les soirs, la petite taupe sort de terre pour voir si le soleil a disparu. C'est alors qu'on ose lui faire sur la tête ! C'est rond et marron, aussi long qu'une saucisse. Mais qui a bien pu faire ça ? Un grand classique de la littérature jeunesse à faire découvrir aux plus petits !
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Artiste pop, peintre de la vie moderne et des paysages, maître de la couleur, explorateur de l'image et de la perception - depuis soixante ans, David Hockney est connu pour être un artiste qui trouve toujours de nouveaux moyens pour explorer le monde et les façons de le représenter. Il n'a cessé de créer des images inoubliables: des lignes graphiques et des insertions de texte dans le Londres des années 1960; la fameuse série des piscines, une chronique du style de vie californien dans les années 1970 ; des portraits finement observés et d'immenses paysages saturés de couleur après son retour dans son Yorkshire natal. Outre les dessins où il transpose ce qu'il voit directement sur le papier, des collages de Polaroïds de points de vues multiples ouvrent l'espace en une myriade de vues détaillées, et ses dessins sur iPad, dans lesquels il saisit la lumière au moyen de l'outil le plus moderne, qui témoignent du goût intense et durable de Hockney pour l'expérimentation.
Cette édition spéciale a été composée à partir des deux volumes de la monographie David Hockney: A Bigger Book pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. La vie et l'oeuvre de Hockney y sont présentées année après année, dans un dialogue entre ses oeuvres et les voix de chaque époque, ainsi que les commentaires des critiques et les réflexions de l'artiste dans un texte chronologique, enrichi de portraits photographiques et de vues d'expositions. Ainsi réunis, ces éléments ouvrent de nouvelles perspectives qui, page après page, révèlent de quelle manière Hockney entreprend sa quête artistique, comment il élabore ses peintures et ce qui lui inspire son travail aux multiples facettes. -
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps.
Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre. -
Dans ses oeuvres pleines de vie, la peintre brésilienne Beatriz Milhazes fusionne deux visions du monde très différentes. Ses compositions abstraites, qui semble s'inscrire dans la lignée de maîtres modernistes, de Henri Matisse à Bridget Riley, sont saturées des couleurs et de la lumière de son pays natal. Ses toiles sont émaillées de symboles du quotidien brésilien, évoquant tour à tour le carnaval, l'artisanat traditionnel et des motifs empruntés au baroque ou au pop art, mis en scène dans une chorégraphie visuelle au tempo exubérant. L'atmosphère colorée qui s'en dégage est d'un exotisme irrésistible, mais comme dans les oeuvres de Paul Gauguin, nous y découvrons aussi un paradis perdu, brisé, où les promesses d'une vie sous les Tropiques et celles de l'abstraction modernistes se teintent de notes plus sombres et mélancoliques. En quête perpétuelle de cet équilibre, Milhazes a élaboré une technique de transfert particulière à la fin des années 1980, qui consiste à peindre ses motifs sur des feuilles en plastique, qu'elle colle ensuite sur la toile; une fois la peinture sèche, elle retire la pellicule de plastique, qui laisse son empreinte sur la toile. Cette méthode permet à l'artiste de juxtaposer et superposer les motifs pour parvenir à un genre d'iridescence qui vacille entre radieuse aura et mélancolie chatoyante. Depuis sa percée dans le monde de l'art, au début des années 1990, Milhazes a élargi l'éventail de sa pratique à d'autres matériaux et techniques; elle produit ainsi des sérigraphies, des collages d'emballages de chocolat et de confiseries, des sculptures, comme ses mobiles géants composés de décorations de carnaval, des installations créées pour des lieux dédiés, qui transforment les façades en mosaïques de vitraux, et travaille sur le corps et le rythme avec la troupe de danse de sa soeur Marcia. Cette édition actualisée, étendue à son travail le plus récent, explore toutes les phases de son parcours créatif, de ses débuts à aujourd'hui, à travers plus de 300 oeuvres. Le livre a été composé en étroite collaboration avec l'artiste, à la fois pour le choix de images et dans la conception des pages qui séparent les différents chapitres. Il compte notamment une conversation avec l'éditeur Hans Werner Holzwarth, dans laquelle l'artiste explique ses méthodes de travail et parle des idées et du contexte culturel qui sous-tendent ses oeuvres. Un essai de l'historien d'art David Ebony, un dictionnaire poétique des motifs clé de Milhazes par Adriano Pedrosa et une biographie détaillée et mise à jour de l'artiste par Luiza Interlenghi complètent cet ouvrage exhaustif.
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Est-ce le coq qui permet au soleil de se lever ou l'inverse ?
Le soleil se lève tous les matins sur le poulailler. Chaque matin, Auguste, le coq, le salue d'un tonitruant « Cocorico ! «.
Un jour, Auguste parvient à convaincre les poules que le soleil se lève uniquement parce qu'il chante.
Désormais, toutes les poules n'ont qu'un seul objectif :
Soigner leur coq comme s'il était leur roi. Celui-ci ne se plaint pas de ce nouveau statut jusqu'au jour où...
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La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, son oeuvre constitua une transition majeure d'un modernisme ambitieux et ennuyeux vers un art où «tout peut arriver», dans lequel l'expression individuelle règne en maître.
Basquiat apparut pour la première fois à la fin des années 1970, sous la forme d'un tag et du nom SAMO, signant les paroles caustiques et les fragments de poème qu'il inscrivait sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz et du hip-hop et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'artiste le plus talentueux de son temps.
Cet ouvrage donne un aperçu inédit de l'art de Basquiat grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants. Par son très large format, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhendre son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
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Françoise Gilot art edition n° 1-60 ‘La Salute, Venice'
Thérèse Crémieux, Hans Werner Holzwarth
- Taschen
- Xl
- 30 Décembre 2022
- 9783836564083
L'esprit des lieux.
Les carnets de voyage de Françoise Gilot.
Quand l'artiste française Françoise Gilot regarde par-dessus son épaule, c'est une longue histoire qu'elle contemple. L'oeuvre de cette peintre, née en 1921 et associée après la guerre à la Nouvelle École de Paris, oscille entre abstraction et figuration. Elle a publié plusieurs livres, dont le célèbre Vivre avec Picasso, dans lequel elle relate ses 10 années de vie commune avec l'un des plus grands artistes du XXe siècle, mais aussi de la poésie et des nouvelles illustrées par ses soins.
Ce coffret dépliable présente une édition fac-similée reliée de trois carnets de croquis réalisés par Gilot au cours de ses voyages entre 1974 et 1981. Rassemblant impressions spontanées et réflexions abstraites, ils exhalent l'atmosphère singulière de ces lieux: Venise, l'Inde et le Sénégal.
Françoise Gilot se rend à Venise à l'été 1974. Marquée par ses visites régulières dans la cité des Doges quand elle était enfant, elle ressent un lien profond et durable avec cet endroit qu'elle représente à travers une palette subtile, centrée sur différentes teintes de bleus aquatiques. Les vues de la ville se mêlent à des réinterprétations des canaux et du paysage urbain, mais ce sont surtout l'esprit, l'histoire et le mythe de Venise qui animent son travail. Elle rend aussi hommage à l'art qui y est exposé, avec plusieurs pages dédiées à ses illustres prédécesseurs: Bellini, Carpaccio, Giorgione, Véronèse, Titien, Tintoret. Françoise Gilot mélange écriture et illustration, et sa calligraphie merveilleusement organique s'intègre à ses dessins des canaux, des cafés et des amants posés au bord de la lagune.
Le deuxième carnet décrit le voyage de Gilot en Inde, fin 1979. Elle le remplit de dessins tandis qu'elle parcourt les rues ou durant ses sauts de puce entre deux villes à bord d'avions vétustes. En noir et blanc pour la plupart, ils croquent des gens sur la route, les étals des marchés, les vaches et autres animaux ou la campagne électorale à venir qui s'affiche sur les murs. Au coeur du carnet, on voit des figures féminines, au travail ou chargé d'un lourd fardeau, toujours drapées dans des saris impeccables dont les plis plaisent particulièrement à l'artiste: «Le tissu est un cocon, note-t-elle, de cette latente métamorphose jaillit la poésie des courbes galbées.» En 1981, Françoise Gilot arpente le Sénégal. Elle est impressionnée par les gens qu'elle croise, leur gestuelle et leurs regroupements, la vie dans les cases et sur les marchés. Son carnet resplendit de couleurs intenses auxquelles se juxtapose un trait intense à l'encre noire ou blanche. Là encore, les femmes sont nombreuses, dans leurs vêtements flottants, posées sur la page tels des ornements; on y trouve aussi plantes et paysages, parfois nets, parfois réduits à leur silhouette, ondulant aux marges de l'abstraction.
Cette Édition d'art comprend une lithographie couleur signée, La Salute, Venice (2017). Spécialement créée pour TASCHEN par Françoise Gilot, elle représente la basilique Santa Maria della Salute comme un élément d'une cité réinventée, loin du style des vedute italiennes. «L'avantage avec Venise, c'est que c'est la ville d'Italie que je connais le mieux, dit-elle. J'y suis allée si souvent que je l'ai assimilée, pas simplement regardée mais assimilée.» Les trois carnets de croquis sont accompagnés d'un livret complémentaire qui contient une introduction de Hans Werner Holzwarth et un entretien avec l'artiste et Thérèse Crémieux sur son travail et ses voyages.
Édition d'art de 60 exemplaires (no 1 à 60) comprenant chacun la lithographie La Salute, Venice (2017), imprimée à la main en quadrichromie et signée par Françoise Gilot.
Également disponible en deux autres Éditions d'art, chacune limitée à 60 exemplaires et comprenant une lithographie différente signée par Françoise Gilot, et en une édition limitée et signée de 5.000 exemplaires. -
Françoise Gilot art edition N° 61-120 ‘Indian Soul'
Thérèse Crémieux, Hans Werner Holzwarth
- Taschen
- Xl
- 30 Décembre 2022
- 9783836564106
L'esprit des lieux.
Les carnets de voyage de Françoise Gilot.
Quand l'artiste française Françoise Gilot regarde par-dessus son épaule, c'est une longue histoire qu'elle contemple. L'oeuvre de cette peintre, née en 1921 et associée après la guerre à la Nouvelle École de Paris, oscille entre abstraction et figuration. Elle a publié plusieurs livres, dont le célèbre Vivre avec Picasso, dans lequel elle relate ses 10 années de vie commune avec l'un des plus grands artistes du XXe siècle, mais aussi de la poésie et des nouvelles illustrées par ses soins.
Ce coffret dépliable présente une édition fac-similée reliée de trois carnets de croquis réalisés par Gilot au cours de ses voyages entre 1974 et 1981. Rassemblant impressions spontanées et réflexions abstraites, ils exhalent l'atmosphère singulière de ces lieux: Venise, l'Inde et le Sénégal.
Françoise Gilot se rend à Venise à l'été 1974. Marquée par ses visites régulières dans la cité des Doges quand elle était enfant, elle ressent un lien profond et durable avec cet endroit qu'elle représente à travers une palette subtile, centrée sur différentes teintes de bleus aquatiques. Les vues de la ville se mêlent à des réinterprétations des canaux et du paysage urbain, mais ce sont surtout l'esprit, l'histoire et le mythe de Venise qui animent son travail. Elle rend aussi hommage à l'art qui y est exposé, avec plusieurs pages dédiées à ses illustres prédécesseurs: Bellini, Carpaccio, Giorgione, Véronèse, Titien, Tintoret. Françoise Gilot mélange écriture et illustration, et sa calligraphie merveilleusement organique s'intègre à ses dessins des canaux, des cafés et des amants posés au bord de la lagune.
Le deuxième carnet décrit le voyage de Gilot en Inde, fin 1979. Elle le remplit de dessins tandis qu'elle parcourt les rues ou durant ses sauts de puce entre deux villes à bord d'avions vétustes. En noir et blanc pour la plupart, ils croquent des gens sur la route, les étals des marchés, les vaches et autres animaux ou la campagne électorale à venir qui s'affiche sur les murs. Au coeur du carnet, on voit des figures féminines, au travail ou chargé d'un lourd fardeau, toujours drapées dans des saris impeccables dont les plis plaisent particulièrement à l'artiste: «Le tissu est un cocon, note-t-elle, de cette latente métamorphose jaillit la poésie des courbes galbées.» En 1981, Françoise Gilot arpente le Sénégal. Elle est impressionnée par les gens qu'elle croise, leur gestuelle et leurs regroupements, la vie dans les cases et sur les marchés. Son carnet resplendit de couleurs intenses auxquelles se juxtapose un trait intense à l'encre noire ou blanche. Là encore, les femmes sont nombreuses, dans leurs vêtements flottants, posées sur la page tels des ornements; on y trouve aussi plantes et paysages, parfois nets, parfois réduits à leur silhouette, ondulant aux marges de l'abstraction.
Cette Édition d'art comprend une lithographie couleur signée, Indian Soul (2017). Spécialement créée pour TASCHEN par Françoise Gilot, elle représente un groupe de trois femmes unies par les plis ornementaux de leurs saris. «C'étaient des femmes qui entretenaient et réparaient les routes pour les automobiles, se souvient l'artiste. Elles étaient toujours vêtues de magnifiques saris et transportaient des pierres sur leur tête dans des plats creux en cuivre... J'ai toujours été fascinée - le sari est un vêtement compliqué à porter. Et quand leur sari était un peu sale, elles le lavaient dans la rivière.» Les trois carnets de croquis sont accompagnés d'un livret complémentaire qui contient une introduction de Hans Werner Holzwarth et un entretien avec l'artiste et Thérèse Crémieux sur son travail et ses voyages.
Édition d'art de 60 exemplaires (no 61 à 120) comprenant chacun la lithographie Indian Soul (2017), imprimée à la main en six couleurs et signée par Françoise Gilot.
Également disponible en deux autres Éditions d'art, chacune limitée à 60 exemplaires et comprenant une lithographie différente signée par Françoise Gilot, et en une édition limitée et signée de 5.000 exemplaires. -
Nouv.
L'art moderne : une histoire de l'Impressionnisme à aujourd'hui
Hans Werner Holzwarth
- Taschen
- Favorable Price
- 15 Octobre 2023
- 9783836580397
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
