La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier. Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps. Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
Artiste pop, peintre de la vie moderne et des paysages, maître de la couleur, explorateur de l'image et de la perception - depuis soixante ans, David Hockney est connu pour être un artiste qui trouve toujours de nouveaux moyens pour explorer le monde et les façons de le représenter. Il n'a cessé de créer des images inoubliables: des lignes graphiques et des insertions de texte dans le Londres des années 1960; la fameuse série des piscines, une chronique du style de vie californien dans les années 1970 ; des portraits finement observés et d'immenses paysages saturés de couleur après son retour dans son Yorkshire natal. Outre les dessins où il transpose ce qu'il voit directement sur le papier, des collages de Polaroïds de points de vues multiples ouvrent l'espace en une myriade de vues détaillées, et ses dessins sur iPad, dans lesquels il saisit la lumière au moyen de l'outil le plus moderne, qui témoignent du goût intense et durable de Hockney pour l'expérimentation.
Cette édition spéciale a été composée à partir des deux volumes de la monographie David Hockney: A Bigger Book pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. La vie et l'oeuvre de Hockney y sont présentées année après année, dans un dialogue entre ses oeuvres et les voix de chaque époque, ainsi que les commentaires des critiques et les réflexions de l'artiste dans un texte chronologique, enrichi de portraits photographiques et de vues d'expositions. Ainsi réunis, ces éléments ouvrent de nouvelles perspectives qui, page après page, révèlent de quelle manière Hockney entreprend sa quête artistique, comment il élabore ses peintures et ce qui lui inspire son travail aux multiples facettes.
Malgré les tribulations personnelles qui le maintiennent dans un mouvement constant, Ai Weiwei demeure un aimant culturel. Fondée sur ses positions politiques et son activité sur les réseaux sociaux comme sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du «ready-made» et sa connaissance de l'artisanat traditionnel chinois, la renommé d'Ai dépasse largement le monde de l'art.
Réalisée à partir de l'Édition collector limitée publiée par TASCHEN, cette monographie explore chaque étape de la carrière d'Ai, jusqu'à sa libération des geôles chinoises. Il comprend une large part de documents visuels qui retracent l'évolution du maître, depuis son premier séjour à New York jusqu'à ses dernières créations, et met l'accent sur certains moments déterminants : sa percée mondiale au début des années 2000, son oeuvre en porcelaine Sunflower Seeds pour le Turbine Hall de la Tate Modern, sa réaction après le tremblement de terre au Sichuan en 2008 et sa détention par la police en 2011. Grâce aux images des coulisses de son studio, aux photographies de production et aux nombreuses citations extraites d'interviews exclusives d'Ai, le livre offre un aperçu privilégié de sa méthode de travail, de ses influences et de son envergure.
L'ouvrage comprend des textes d'Uli Sigg, ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de la Suisse en Chine, et de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale.
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
«L'art de Giger puise essentiellement dans notre psyché et touche nos instincts et nos peurs primaires les plus enfouies. Son art est à ranger dans une catégorie à part. Preuve en est l'intensité de son oeuvre et de son imagination, que je ne peux comparer qu'à celles d'un Jérôme Bosch ou d'un Francis Bacon de par leur pouvoir de provocation et de déstabilisation.» - Ridley Scott L'artiste suisse HR Giger (1940-2014) est surtout connu pour avoir créé le monstre de l'espace du film de science-fiction Alien (1979) de Ridley Scott, récompensé par un Oscar. Rétrospectivement, ce personnage ne représente qu'une des nombreuses représentations les plus populaires de l'arsenal de créatures biomécaniques de Giger où s'entrechoquent hybrides hommes-machines, images de puissance obsédante et psychédélisme obscur. Ces visions convoquent autant les démons du passé qu'elles esquissent les mythologies du futur. Elles expriment avant tout les craintes et les fantasmes collectifs de son époque: la peur du nucléaire, de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles, ou celle d'un avenir où la survie de nos corps dépendrait des machines. Cette édition se fonde sur la monographie au format SUMO, entreprise peu avant le décès soudain de l'artiste, et rend hommage à la vision sans pareil de Giger. Elle déroule l'histoire complète de sa vie et de son oeuvre, ses sculptures, ses oeuvres cinématographiques et ses légendaires couvertures d'album, de même que l'héritage qu'il nous a laissé dans son propre musée d'artiste et son café des Alpes suisses. Dans un essai approfondi, Andreas J. Hirsch, spécialiste de Giger, nous plonge dans les thématiques propres à l'oeuvre et à l'univers de l'artiste, tandis qu'une biographie détaillée s'appuie sur des citations de critiques contemporains et les propres écrits de l'artiste.
Artiste pop, peintre de la vie moderne et des paysages, maître de la couleur, explorateur de l'image et de la perception - depuis soixante ans, David Hockney est connu pour être un artiste qui trouve toujours de nouveaux moyens pour explorer le monde et les façons de le représenter. Il n'a cessé de créer des images inoubliables: des lignes graphiques et des insertions de texte dans le Londres des années 1960; la fameuse série des piscines, une chronique du style de vie californien dans les années 1970 ; des portraits finement observés et d'immenses paysages saturés de couleur après son retour dans son Yorkshire natal. Outre les dessins où il transpose ce qu'il voit directement sur le papier, des collages de Polaroïds de points de vues multiples ouvrent l'espace en une myriade de vues détaillées, et ses dessins sur iPad, dans lesquels il saisit la lumière au moyen de l'outil le plus moderne, qui témoignent du goût intense et durable de Hockney pour l'expérimentation.
Cette édition spéciale a été composée à partir des deux volumes de la monographie David Hockney: A Bigger Book pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. La vie et l'oeuvre de Hockney y sont présentées année après année, dans un dialogue entre ses oeuvres et les voix de chaque époque, ainsi que les commentaires des critiques et les réflexions de l'artiste dans un texte chronologique, enrichi de portraits photographiques et de vues d'expositions. Ainsi réunis, ces éléments ouvrent de nouvelles perspectives qui, page après page, révèlent de quelle manière Hockney entreprend sa quête artistique, comment il élabore ses peintures et ce qui lui inspire son travail aux multiples facettes.
Une année en Normandie avec David Hockney
Les saisons défilent dans un recueil d'oeuvres sur iPad
Depuis sa petite ferme perdue dans les champs fertiles et les prairies ondoyantes de Normandie, David Hockney observa le passage des saisons toute l'année 2020, jusqu'au premières heures du Jour de l'An. Il utilise son iPad pour exprimer avec spontanéité ce que lui inspire le paysage qui l'entoure, saisir les premiers bourgeons du printemps, le parfum de l'été, les couleurs saturées de l'automne et la silhouette anguleuse et noire des branches en hiver. Les 220 peintures sur iPad (plus quatre en bonus) réunies dans cet album sont imprimées en six couleurs, selon le procédé spécial de l'hexachromie, pour révéler la vision de l'artiste dans toute son intensité. Dans une brève introduction, Hockney raconte comment ce projet, prévu avant qu'éclate la pandémie du COVID, est devenu une ligne de vie pendant le confinement, et comment il lui a permis de propager un message d'espoir: «Souvenez-vous qu'ils ne peuvent pas annuler le printemps.»
Dans ses oeuvres pleines de vie, la peintre brésilienne Beatriz Milhazes fusionne deux visions du monde très différentes. Ses compositions abstraites, qui semble s'inscrire dans la lignée de maîtres modernistes, de Henri Matisse à Bridget Riley, sont saturées des couleurs et de la lumière de son pays natal. Ses toiles sont émaillées de symboles du quotidien brésilien, évoquant tour à tour le carnaval, l'artisanat traditionnel et des motifs empruntés au baroque ou au pop art, mis en scène dans une chorégraphie visuelle au tempo exubérant. L'atmosphère colorée qui s'en dégage est d'un exotisme irrésistible, mais comme dans les oeuvres de Paul Gauguin, nous y découvrons aussi un paradis perdu, brisé, où les promesses d'une vie sous les Tropiques et celles de l'abstraction modernistes se teintent de notes plus sombres et mélancoliques.
En quête perpétuelle de cet équilibre, Milhazes a élaboré une technique de transfert particulière à la fin des années 1980, qui consiste à peindre ses motifs sur des feuilles en plastique, qu'elle colle ensuite sur la toile; une fois la peinture sèche, elle retire la pellicule de plastique, qui laisse son empreinte sur la toile. Cette méthode permet à l'artiste de juxtaposer et superposer les motifs pour parvenir à un genre d'iridescence qui vacille entre radieuse aura et mélancolie chatoyante. Depuis sa percée dans le monde de l'art, au début des années 1990, Milhazes a élargi l'éventail de sa pratique à d'autres matériaux et techniques; elle produit ainsi des sérigraphies, des collages d'emballages de chocolat et de confiseries, des sculptures, comme ses mobiles géants composés de décorations de carnaval, des installations créées pour des lieux dédiés, qui transforment les façades en mosaïques de vitraux, et travaille sur le corps et le rythme avec la troupe de danse de sa soeur Marcia.
Cette édition actualisée, étendue à son travail le plus récent, explore toutes les phases de son parcours créatif, de ses débuts à aujourd'hui, à travers plus de 300 oeuvres. Le livre a été composé en étroite collaboration avec l'artiste, à la fois pour le choix de images et dans la conception des pages qui séparent les différents chapitres. Il compte notamment une conversation avec l'éditeur Hans Werner Holzwarth, dans laquelle l'artiste explique ses méthodes de travail et parle des idées et du contexte culturel qui sous-tendent ses oeuvres. Un essai de l'historien d'art David Ebony, un dictionnaire poétique des motifs clé de Milhazes par Adriano Pedrosa et une biographie détaillée et mise à jour de l'artiste par Luiza Interlenghi complètent cet ouvrage exhaustif.
Le monde à l'envers.
Les toiles et les sculptures de Georg Baselitz
Connu pour l'audacieuse simplicité de sa stratégie picturale, qui consiste à représenter ses sujets la tête en bas Georg Baselitz bouleverse l'ordre établi avec constance depuis le début des années 1960. Son travail est toujours chargé de sens mais d'une diversité surprenante, à commencer par ses corps d'homme existentiels et bruts, retirés de sa première exposition en solo parce que jugés indécents, et sa série de «Héros» montrant des personnages handicapés exposés dans un paysage de désolation. Au fil du temps, l'espace pictural devient de plus en plus fracturé, et à la fin de la décennie l'artiste à mis le monde à l'envers : arbres, usines, aigles et autoportraits nus sont peints la tête en bas. Cette approche lui permet de libérer sa peinture et de s'essayer à des assemblages de couleurs conceptuels et à des thèmes excentriques, comme des hommes mangeant des oranges, des images de propagande soviétique, et plus récemment des réinterprétations de ses oeuvres anciennes, qui établissent un dialogue par-delà le temps. Déjà connu pour sa maîtrise du dessin et de la gravure, à partir de 1980 Baselitz crée aussi des sculptures brutes en bois réalisées à la hache ou à la tronçonneuse, et ajoute le bronze à ses matériaux de prédilection à la fin des années 2000.
Désormais disponible dans une édition grand public actualisée, ce livre présente les reproductions en grand format de plus de 400 oeuvres, ainsi que des images de ses installations et des portraits photographiques. Les textes abordent le sujet selon différentes perspectives: un portrait de Baselitz qui souligne son sens de l'humour noir, par l'expert Richard Shiff, plusieurs essais sur l'évolution de son art et de sa personnalité de peintre par le critique Jonathan Jones, sur sa sculpture depuis son succès scandaleux à la Biennale de Venise de 1980 par l'historienne d'art Eva Mongi-Vollmer et sur ses stratégies artistiques par l'historienne d'art Carla Schulz-Hoffmann, une série de vignettes littéraires en rapport avec le recours de l'artiste au mythe et à l'histoire par l'auteur et réalisateur Alexander Kluge, et une conversation d'atelier avec le chroniqueur artistique Cornelius Tittel. Des déclarations de l'artiste et une biographie illustrée complètent cette exploration sans précédent du travail de Georg Baselitz.
«L'art de Giger puise essentiellement dans notre psyché et touche nos instincts et nos peurs primaires les plus enfouies. Son art est à ranger dans une catégorie à part. Preuve en est l'intensité de son oeuvre et de son imagination, que je ne peux comparer qu'à celles d'un Jérôme Bosch ou d'un Francis Bacon de par leur pouvoir de provocation et de déstabilisation.» - Ridley Scott
L'artiste suisse HR Giger (1940-2014) est surtout connu pour avoir créé le monstre de l'espace du film de science-fiction Alien (1979) de Ridley Scott, récompensé par un Oscar. Rétrospectivement, ce personnage ne représente qu'une des nombreuses représentations les plus populaires de l'arsenal de créatures biomécaniques de Giger où s'entrechoquent hybrides hommes-machines, images de puissance obsédante et psychédélisme obscur. Ces visions convoquent autant les démons du passé qu'elles esquissent les mythologies du futur. Elles expriment avant tout les craintes et les fantasmes collectifs de son époque: la peur du nucléaire, de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles, ou celle d'un avenir où la survie de nos corps dépendrait des machines.
Cet ouvrage, entrepris peu avant le décès soudain de Giger, déroule l'histoire complète de sa vie et aborde son art, ses sculptures, ses oeuvres cinématographiques et ses légendaires couvertures d'album, de même que l'héritage qu'il nous a laissé dans son propre musée d'artiste et son café des Alpes suisses. Dans un essai approfondi, Andreas J. Hirsch, spécialiste de Giger, nous plonge dans les thématiques propres à l'oeuvre et à l'univers de l'artiste, tandis qu'une biographie détaillée s'appuie sur des citations de critiques contemporains et les propres écrits de l'artiste.
In Fullmoon, the conceptual meets the poetic: British artist Darren Almond catches natural archetypes and silent landscapes in night photographs made under a full moon, with the shutter kept open for over a quarter of an hour. The long exposure time illuminates the landscape almost like daybreak, but the atmosphere is different: a mild glow emanates even from the shadows, star-lines cross the sky, and water blankets the earth like a misty froth. The enhanced moonlight infuses the pictures with a haunted quality, casting the landscapes in an unease, in a sense of the sublime and in a contemplation of time, both in our natural surroundings and in the photographic art.
This book collects roughly 250 images which Almond captured following the full moon around the globe. Natural monuments like Yosemite National Park and the German Isle of Rügen draw links to Romantic paintings by Albert Bierstadt and Caspar David Friedrich, respectively, and the whole series circles around the possibility of Romantic themes today: majestic American mountains, austere Arctic ice fields, picturesque rocks by the seashore in Japan, and, most intimately viewed, the nature of Britain, whose painterly subjects are closest to home. This book covers all parts of the series from the turn of the century up until today, with an introduction by Sheena Wagstaff, head of the Modern and Contemporary Art Department of the Metropolitan Museum in New York.
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, son oeuvre constitua une transition majeure d'un modernisme ambitieux et ennuyeux vers un art où «tout peut arriver», dans lequel l'expression individuelle règne en maître.
Basquiat apparut pour la première fois à la fin des années 1970, sous la forme d'un tag et du nom SAMO, signant les paroles caustiques et les fragments de poème qu'il inscrivait sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz et du hip-hop et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'artiste le plus talentueux de son temps.
Cet ouvrage donne un aperçu inédit de l'art de Basquiat grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants. Par son très large format, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhendre son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, son oeuvre constitua une transition majeure d'un modernisme ambitieux et ennuyeux vers un art où «tout peut arriver», dans lequel l'expression individuelle règne en maître.
Basquiat apparut pour la première fois à la fin des années 1970, sous la forme d'un tag et du nom SAMO, signant les paroles caustiques et les fragments de poème qu'il inscrivait sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz et du hip-hop et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'artiste le plus talentueux de son temps.
Cet ouvrage donne un aperçu inédit de l'art de Basquiat grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants. Par son très large format, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
Maintenant disponible dans une édition populaire, cette monographie présente le travail de Schnabel dans tous les médias: peintures avec des matériaux du quotidien, sculptures spatiales, films qui peignent des portraits de héros improbables, ou un palais vénitien à New York. La meilleure occasion de découvrir son art sans le voir en personne.
Vous voulez savoir dès aujourd'hui ce qu'exposeront les institutions artistiques de la planète au cours des dix années à venir? Vous trouverez tout dans cet ouvrage: le meilleur des créations actuelles, si vivantes qu'en les contemplant vous sentirez le temps vibrer. Les articles classés par ordre alphabétique vous proposent, en plus des reproductions d'oeuvres actuelles majeures, de courtes biographies et des informations bibliographiques, ainsi que des notes sur l'historique des expositions. L'annexe illustrée fournit aussi les noms et coordonnées des agences de galeries ainsi que les tarifs du marché primaire et les résultats des ventes aux enchères. Lire ce livre, c'est visiter les galeries les plus influentes du monde.
French artist Françoise Gilot, born in 1921, can look back on a long history. As a painter of the Nouvelle École de Paris after the war, her work hovers between abstraction and figuration, drawing as much on nature and everyday life as on moods and imagination. She has published a number of books, not just her famous Life with Picasso, in which she recounts her experiences of 10 years at the side of the most famous artist of the 20th century, but also poetry and stories with her own illustrations.
This fold-out box set presents a hardback facsimile edition of three sketchbooks made on Gilot's travels between 1974 and 1981. Collecting direct impressions and abstract reflections, they are suffused with the distinct atmosphere of these places : Venice, India, and Senegal. Gilot travels to Venice in the summer of 1974. Her regular visits to the floating city as a child have made a lasting impression, and she feels a deep, continued connection. Her sketchbook drawings are made with a subtle palette, centered on different shades of a watery blue. Views of the city are mixed with reimaginations of the canals and cityscape, yet it is above all the spirit, history, and myth of Venice that animates her work. She also pays tribute to its art with various pages characterizing her forebears: the Bellinis, Carpaccio, Giorgione, Veronese, Titian, Tintoretto. Gilot mixes writing with the illustration, her beautifully organic lettering becoming part of the drawings in which she depicts the canals, the cafés, the lovers at the water's edge.
The second sketchbook is from Gilot's trip to India in late 1979. She fills it with drawings while out on the streets and sat on bumpy plane rides between cities. The sketches, mostly in black and white, capture people on the road, market stalls, cows and other animals, and wall advertisements for the coming election. Central to the sketchbook are the figures of women, working or carrying a load, always clad impeccable saris whose folds especially attract the artist: «The cloth is a cocoon,» she notes, «and in this latent metamorphosis lies the magic of the curved line.» In 1981 Gilot visits Senegal, together with her husband, Dr. Jonas Salk, inventor of the polio vaccine and now in Africa for a vaccination campaign. Gilot is impressed by the people she meets, their movements and meetings, life in the circle huts and on marketplaces. Her sketchbook is almost jewel-like in intense colors, juxtaposed with deep-inked black-and-white line drawings. Again we see many women in flowing garments, their poses like ornaments on the page, we see plants and landscapes, sometimes clear and sometimes as form, moving in and out of abstraction.
The three sketchbooks are accompanied by an additional booklet containing an introduction illustrated with historical photographs and a conversation with the artist on these travels and her drawings.
Explosion de juxtapositions troublantes, les peintures de Neo Rauch donnent à voir des mondes d'une force psychologique étonnante, façonnés par des collisions entre les cultures. Ses compositions impliquent le spectateur dans une histoire à la fois mythique, intime et actuelle. À travers une réflexion profonde sur la philosophie, l'histoire de l'art, la littérature et son propre univers onirique, les oeuvres de Rauch dépeignent les affres du progrès et de la communication. Galvanisés par des palettes riches, les paysages fragmentés et les personnages intemporels de Rauch se meuvent allègrement entre pop et baroque, social et psychologique, graphique et pictural.
Signés Wool Franche du collier, volontairement simple mais faussement univoque, l'oeuvre de Christopher Wool est tellement typique de New York. Si l'artiste avoue être influencé par l'expressionnisme abstrait et le pop art, il transcende totalement cet héritage, jusqu'à le démolir. Toiles typographiées, pièces abstraites réalisées à la bombe et au pochoir, ses créations accrochent le spectateur. Comme beaucoup d'artistes de sa génération, Wool questionne la discipline picturale, mais il n'apporte aucune réponse facile. Sa toile The harder you look the harder you look («Mieux on regarde, mieux on regarde»), illustre bien sa façon d'utiliser une évidence pour déclencher chez nous une réflexion sur ce qui n'est pas évident.
Christopher Wool a acquis une certaine notoriété au milieu des années 1980 avec une série de peintures all-over produites au moyen de rouleaux de caoutchouc semblables à ceux utilisés pour créer des frises sur les murs. En 1988, il marque les esprits avec une série de mots en grandes lettres («Trbl», «Riot», «Sell the House, Sell the Car, Sell the Kids»), tout en continuant d'explorer la pattern painting. Depuis les années 1990, il développe la qualité picturale de son oeuvre, grâce à une palette principalement noire et blanche: lignes abstraites tracées à la bombe aérosol, superposition de photos découpées, peinture sur sérigraphie ou sur lin, images essuyées et estompées, dans une grande variété de matériaux et de disciplines mêlant photo, sérigraphie et, ces dernières années, art numérique.
Cette monographie de quelque 400 pages explore l'oeuvre de Wool de manière approfondie. Elle balaie toutes les phases de son travail en présentant des reproductions en grand format, accompagnées de Polaroïds pris par Wool lui-même pendant la production et l'installation. L'éditeur Hans Werner Holzwarth a collaboré à plusieurs catalogues et monographies consacrés à Wool. Les essais signés Glenn O'Brien, Jim Lewis, Ann Goldstein, Anne Pontégnie, Richard Hell et Eric Banks font de ce livre une lecture agréable et instructive.
L'esprit des lieux.
Les carnets de voyage de Françoise Gilot.
Quand l'artiste française Françoise Gilot regarde par-dessus son épaule, c'est une longue histoire qu'elle contemple. L'oeuvre de cette peintre, née en 1921 et associée après la guerre à la Nouvelle École de Paris, oscille entre abstraction et figuration. Elle a publié plusieurs livres, dont le célèbre Vivre avec Picasso, dans lequel elle relate ses 10 années de vie commune avec l'un des plus grands artistes du XXe siècle, mais aussi de la poésie et des nouvelles illustrées par ses soins.
Ce coffret dépliable présente une édition fac-similée reliée de trois carnets de croquis réalisés par Gilot au cours de ses voyages entre 1974 et 1981. Rassemblant impressions spontanées et réflexions abstraites, ils exhalent l'atmosphère singulière de ces lieux: Venise, l'Inde et le Sénégal.
Françoise Gilot se rend à Venise à l'été 1974. Marquée par ses visites régulières dans la cité des Doges quand elle était enfant, elle ressent un lien profond et durable avec cet endroit qu'elle représente à travers une palette subtile, centrée sur différentes teintes de bleus aquatiques. Les vues de la ville se mêlent à des réinterprétations des canaux et du paysage urbain, mais ce sont surtout l'esprit, l'histoire et le mythe de Venise qui animent son travail. Elle rend aussi hommage à l'art qui y est exposé, avec plusieurs pages dédiées à ses illustres prédécesseurs: Bellini, Carpaccio, Giorgione, Véronèse, Titien, Tintoret. Françoise Gilot mélange écriture et illustration, et sa calligraphie merveilleusement organique s'intègre à ses dessins des canaux, des cafés et des amants posés au bord de la lagune.
Le deuxième carnet décrit le voyage de Gilot en Inde, fin 1979. Elle le remplit de dessins tandis qu'elle parcourt les rues ou durant ses sauts de puce entre deux villes à bord d'avions vétustes. En noir et blanc pour la plupart, ils croquent des gens sur la route, les étals des marchés, les vaches et autres animaux ou la campagne électorale à venir qui s'affiche sur les murs. Au coeur du carnet, on voit des figures féminines, au travail ou chargé d'un lourd fardeau, toujours drapées dans des saris impeccables dont les plis plaisent particulièrement à l'artiste: «Le tissu est un cocon, note-t-elle, de cette latente métamorphose jaillit la poésie des courbes galbées.» En 1981, Françoise Gilot arpente le Sénégal. Elle est impressionnée par les gens qu'elle croise, leur gestuelle et leurs regroupements, la vie dans les cases et sur les marchés. Son carnet resplendit de couleurs intenses auxquelles se juxtapose un trait intense à l'encre noire ou blanche. Là encore, les femmes sont nombreuses, dans leurs vêtements flottants, posées sur la page tels des ornements; on y trouve aussi plantes et paysages, parfois nets, parfois réduits à leur silhouette, ondulant aux marges de l'abstraction.
Cette Édition d'art comprend une lithographie couleur signée, La Salute, Venice (2017). Spécialement créée pour TASCHEN par Françoise Gilot, elle représente la basilique Santa Maria della Salute comme un élément d'une cité réinventée, loin du style des vedute italiennes. «L'avantage avec Venise, c'est que c'est la ville d'Italie que je connais le mieux, dit-elle. J'y suis allée si souvent que je l'ai assimilée, pas simplement regardée mais assimilée.» Les trois carnets de croquis sont accompagnés d'un livret complémentaire qui contient une introduction de Hans Werner Holzwarth et un entretien avec l'artiste et Thérèse Crémieux sur son travail et ses voyages.
Édition d'art de 60 exemplaires (no 1 à 60) comprenant chacun la lithographie La Salute, Venice (2017), imprimée à la main en quadrichromie et signée par Françoise Gilot.
Également disponible en deux autres Éditions d'art, chacune limitée à 60 exemplaires et comprenant une lithographie différente signée par Françoise Gilot, et en une édition limitée et signée de 5.000 exemplaires.
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du Pop Art.
L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat : un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public.
À travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes.
Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du pop art.
L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat: un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public.
À travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes.
L'esprit des lieux.
Les carnets de voyage de Françoise Gilot.
Quand l'artiste française Françoise Gilot regarde par-dessus son épaule, c'est une longue histoire qu'elle contemple. L'oeuvre de cette peintre, née en 1921 et associée après la guerre à la Nouvelle École de Paris, oscille entre abstraction et figuration. Elle a publié plusieurs livres, dont le célèbre Vivre avec Picasso, dans lequel elle relate ses 10 années de vie commune avec l'un des plus grands artistes du XXe siècle, mais aussi de la poésie et des nouvelles illustrées par ses soins.
Ce coffret dépliable présente une édition fac-similée reliée de trois carnets de croquis réalisés par Gilot au cours de ses voyages entre 1974 et 1981. Rassemblant impressions spontanées et réflexions abstraites, ils exhalent l'atmosphère singulière de ces lieux: Venise, l'Inde et le Sénégal.
Françoise Gilot se rend à Venise à l'été 1974. Marquée par ses visites régulières dans la cité des Doges quand elle était enfant, elle ressent un lien profond et durable avec cet endroit qu'elle représente à travers une palette subtile, centrée sur différentes teintes de bleus aquatiques. Les vues de la ville se mêlent à des réinterprétations des canaux et du paysage urbain, mais ce sont surtout l'esprit, l'histoire et le mythe de Venise qui animent son travail. Elle rend aussi hommage à l'art qui y est exposé, avec plusieurs pages dédiées à ses illustres prédécesseurs: Bellini, Carpaccio, Giorgione, Véronèse, Titien, Tintoret. Françoise Gilot mélange écriture et illustration, et sa calligraphie merveilleusement organique s'intègre à ses dessins des canaux, des cafés et des amants posés au bord de la lagune.
Le deuxième carnet décrit le voyage de Gilot en Inde, fin 1979. Elle le remplit de dessins tandis qu'elle parcourt les rues ou durant ses sauts de puce entre deux villes à bord d'avions vétustes. En noir et blanc pour la plupart, ils croquent des gens sur la route, les étals des marchés, les vaches et autres animaux ou la campagne électorale à venir qui s'affiche sur les murs. Au coeur du carnet, on voit des figures féminines, au travail ou chargé d'un lourd fardeau, toujours drapées dans des saris impeccables dont les plis plaisent particulièrement à l'artiste: «Le tissu est un cocon, note-t-elle, de cette latente métamorphose jaillit la poésie des courbes galbées.» En 1981, Françoise Gilot arpente le Sénégal. Elle est impressionnée par les gens qu'elle croise, leur gestuelle et leurs regroupements, la vie dans les cases et sur les marchés. Son carnet resplendit de couleurs intenses auxquelles se juxtapose un trait intense à l'encre noire ou blanche. Là encore, les femmes sont nombreuses, dans leurs vêtements flottants, posées sur la page tels des ornements; on y trouve aussi plantes et paysages, parfois nets, parfois réduits à leur silhouette, ondulant aux marges de l'abstraction.
Cette Édition d'art comprend une lithographie couleur signée, Indian Soul (2017). Spécialement créée pour TASCHEN par Françoise Gilot, elle représente un groupe de trois femmes unies par les plis ornementaux de leurs saris. «C'étaient des femmes qui entretenaient et réparaient les routes pour les automobiles, se souvient l'artiste. Elles étaient toujours vêtues de magnifiques saris et transportaient des pierres sur leur tête dans des plats creux en cuivre... J'ai toujours été fascinée - le sari est un vêtement compliqué à porter. Et quand leur sari était un peu sale, elles le lavaient dans la rivière.» Les trois carnets de croquis sont accompagnés d'un livret complémentaire qui contient une introduction de Hans Werner Holzwarth et un entretien avec l'artiste et Thérèse Crémieux sur son travail et ses voyages.
Édition d'art de 60 exemplaires (no 61 à 120) comprenant chacun la lithographie Indian Soul (2017), imprimée à la main en six couleurs et signée par Françoise Gilot.
Également disponible en deux autres Éditions d'art, chacune limitée à 60 exemplaires et comprenant une lithographie différente signée par Françoise Gilot, et en une édition limitée et signée de 5.000 exemplaires.
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps.
Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
