• Qui est Banksy? En réalité, la vraie question n'est pas de savoir qui il est, mais ce qu'il est, car c'est bien à travers son oeuvre que son engagement, clair et sans ambiguïté, se révèle au monde.

  • La notion de chef-d'oeuvre a été quelque peu malmenée par bien des artistes de l'avant-garde du XXe siècle, en premier lieu par Marcel Duchamp. Mais ses derniers temps, la question du chef-d'oeuvre semble toutefois avoir étrangement ré-émergé.
    Cet ouvrage se propose donc d'assembler une cinquantaine de chefs-d'oeuvre du moment - c'est-à-dire du XXIe siècle - comme le font ordinairement les critiques d'art ou commissaires d'exposition. Il ne s'agit pas d'un classement, mais plutôt d'une sélection de créations choisies pour leur singularité. Au-delà de leurs différences en terme de forme ou d'approche, elles ont toutes une proximité avec les technologies qui façonnent le monde en cette troisième révolution industrielle.

  • L'appartement new-yorkais de l'artiste Arleen Schloss a vu se succéder, à partir d'octobre 1979, les expérimentations d'une tribu improbable entre no wave, poésie sonore et arts visuels. Ce sont les Wednesdays at A's, dont le programme hybride et radical emplit chaque semaine, dix-huit mois durant, le loft du 330 Broome Street de concerts, performances, lectures ou expositions, toujours animés par une exigence festive.
    Pour annoncer les événements, des dizaines de flyers sont réalisés à la photocopieuse par les artistes invités et les amis. Dessins, collages, détournements, jeux typographiques et annotations manuscrites peuplent ainsi un ensemble bigarré de traces vouées à l'éphémère, quoique déjà quelque peu fétichisées par les protagonistes. Ces flyers racontent au plus près l'aventure des Wednesdays at A's, de façon chronologique, comme ils témoignent des préoccupations d'une période fertile où les corps et les machines se rencontrent, au-delà des genres et des disciplines, dans une ville au bord de la faillite.
    Baptiste Brévart et Guillaume Ettlinger ont rencontré Arleen Schloss à New York en 2011. Ils ont entamé ensemble un travail archéologique sur cette mémoire évanescente et ils ont rassemblé un grand nombre de documents exceptionnels et inédits. Avec la précieuse contribution de Pauline Chevalier et Guillaume Loizillon, ils retracent ainsi une histoire parallèle des arts à New York dans les années 1980.

  • Catalogue de l'exposition « Ex Africa » qui vise à montrer et à faire comprendre les relations qui existent aujourd'hui et depuis la fin du XXe siècle entre les arts contemporains et les arts africains anciens. Il s'agit d'en finir avec la notion de primitivisme telle qu'elle était énoncée en 1984 dans l'exposition « Primitivism » au MoMA et de montrer que les idées et les formes propres à ces arts sont aujourd'hui plus vivantes que jamais.

  • Après ses livres d'entretiens sur le monde de l'art contemporain qui ont connu un grand succès (Galeristes en 2010, Collectionneurs en 2012, Artistes, en 2014), Anne Martin-Fugier a interrogé quinze femmes actrices de l'art contemporain en France durant les cinquante dernières années.
    Elle n'a pas choisi des artistes, mais des « témoins », journalistes, galeristes, directrices d'institutions publiques et privées qui, partout en France, participent à la diffusion de l'art contemporain avec leur énergie et leur sensibilité. Leurs trajectoires et leurs récits constituent un panorama du monde culturel d'aujourd'hui.

  • L'oeil en rut : art et érotisme en France au XIXe siècle Nouv.

    Nudité, lascivité, sensualité, provocation, impudeur, ou obscénité. Durant le XIXe siècle, l'érotisme prend une place nouvelle dans la culture visuelle occidentale, notamment grâce à l'essor de procédés de reproduction tels que la photographie, la presse ou la lithographie.
    Ce genre est principalement produit par des artistes masculins, à destination d'un public qui l'est aussi.
    La littérature fantasme sur les rapports amoureux entre les peintres et leurs modèles, la photographie de nu devient un enjeu commercial, le réalisme dévoile la crudité du corps et les dessinateurs ne cessent de croquer les impudeurs de la femme.
    Fruit d'une recherche longue et méticuleuse cet ouvrage revient sur les grandes réflexions menées sur le thème de la nudité dans le champ de l'histoire de l'art et de l'histoire des sensibilités. Il étudie la réception de cette nudité en France, en s'appuyant des sources documentaires et iconographiques renouvelées (oeuvres méconnues, dessins et photographies, journaux et revues, ouvrages, archives, textes de lois) et permet de mieux comprendre cette histoire de l'art érotique du xixe siècle, longtemps pérennisée par le seul goût de la description.
    En replaçant les oeuvres dans leur contexte, en comparant les expressions et les esthétiques, et étudiant la culture visuelle du temps, Claire Maingon ouvre de nouveaux champs de réflexion, tout en permettant de faire découvrir des artistes méconnus ou oubliés tels que Broc, Gavarni, Makart, Beaumont, Dubufe, Galimard, Ranft, Eakins ou Lambeaux, aux côtés des grands noms de l'histoire de l'art du xixe siècle, David, Ingres, Delacroix, Courbet, Manet, Rodin, Gérôme, Falguière, Forain, Gervex.

  • New York a-t-il vraiment été le centre de l'innovation artistique depuis 1945, comme on le lit partout?? Une hégémonie mondiale s'étudie à l'échelle mondiale. Or, l'approche comparée démonte le mythe de l'art new-yorkais et souligne l'apparition, dès les années 1950, d'un système internationalisé mais inégalitaire de production des oeuvres et des carrières. Fondé sur le renouvellement rapide des écuries artistiques et la recherche systématique de l'originalité, ce système spéculatif entretenait la concurrence entre pays, musées, marchands, artistes et collectionneurs. Dans une perspective aussi bien sociale et économique qu'esthétique et géopolitique, Béatrice Joyeux-Prunel explore cet univers des avant-gardes artistiques de 1945 à 1970.
    Cette histoire mondiale de l'art parle aussi des oeuvres et des personnes. Elle interroge des tournants mondiaux étonnants?: le choix matiériste de certains artistes dans les années 1950, la violence sadomasochiste de quelques groupes après 1961, et la soudaine politisation des artistes vers 1965 (alors que Mao, Cuba, le Vietnam et la décolonisation les avaient jusque-là peu intéressés).
    Du concrétisme brésilien à l'art cinétique italien et yougoslave, des Neo-Dada Organizers japonais aux actionnistes viennois, en passant par les mondialisations hétérogènes du happening et du pop art, ce livre permet de comprendre ce que nos musées érigent en canon, tout en dévoilant des histoires méconnues du monde de l'art contemporain.

  • Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.

    Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: « Je veux être une machine », il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé The Factory.

    Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art « d'en haut » et « d'en bas » en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.

  • Les clefs d'explication, les centres artistiques et les créateurs : trois approches pour se retrouver sans le foisonnement de l'art contemporain.

  • L'exposition "Christo et Jeanne-Claude, Paris ! " au Centre Pompidou dévoile les oeuvres réalisées pendant les années parisiennes du couple d'artistes, de 1958 jusqu'à leur installation à New York en 1964. Cratères, Empaquetages et Barils sont les jalons méconnus qui précèdent le magistral Pont-Neuf empaqueté (1975-1985), dont l'histoire est retracée. S'appuyant sur des essais, une riche iconographie et une chronologie détaillée, le catalogue témoigne de la genèse de cette oeuvre hors du commun.

  • Chaque livre raconte une histoire, mais l'objet livre peut lui aussi être au coeur d'un récit mystérieux, fascinant et familier. Cet ouvrage en témoigne : le livre est tour à tour symbole de l'intellect dans des portraits, allégorie de la piété dans les tableaux religieux, sujet d'étude dans les natures mortes, ou encore matière première dans les installations contemporaines.
    L'Art de la lecture présente des oeuvres issues de musées ou de collections du monde entier, rassemblées dans un superbe hommage à l'écriture et à son rôle majeur dans le monde.

  • Un ouvrage complet et indispensable qui présente par ordre chronologique les multiples courants qui ont agité le XXe siècle, sans négliger aucune forme artistique. Bernard Blistène associe à chaque mouvement une série d'oeuvres majeures, les explicite clairement en s'appuyant sur des citations et de multiples illustrations.
    Enfin, une chronologie accompagne chaque chapitre afin de mettre en évidence les synergies qui ont opéré entre les artistes se ralliant à un même mouvement.
    L'auteur, récemment nommé directeur du développement culturel du Musée national d'art moderne (Centre Pompidou), nous entraîne dans différents univers : peinture, sculpture, architecture, bien sûr, mais aussi graphisme, vidéo, design, performances... nous prouvant une nouvelle fois que l'art, a fortiori celui du XXe siècle, est multiple.

  • L'art du XXe siècle mérite une fois de plus qu'un nouvel ouvrage lui soit consacré. On a tant créé durant ces cent années, tant inventé, tant bouleversé mais aussi tant suscité de débats, de malentendus, d'incompréhension, de polémiques, qu'il est bon de revenir sur les réalisations de ce siècle dans le domaine artistique, l'Histoire ayant fait largement son office. Il reste nécessaire de mieux connaître l'art moderne et contemporain afin d'essayer de mieux le comprendre.
    La meilleure manière pour y parvenir consiste à dégager les grandes tendances qui le parcourent, qui s'opposent, qui se complètent, qui se recoupent puis se transforment d'une époque à l'autre et à mettre ensuite en valeur le rôle des principaux créateurs du siècle - Picasso, Matisse, Léger, Mondrian, Malevitch, De Chirico, Pollock, Warhol...

  • Victor Vasarely au Centre Pompidou, une des expositions les plus attendues de la rentrée. Avec "Vasarely, le partage des formes" , le Centre Pompidou présente du 6 février 2019 au 6 mai 2019 la première rétrospective française consacrée au père de l'art optique depuis plus de 50 ans. Dans ce livre, 40 de ses oeuvres, incontournables ou méconnues, seront mises en lumière par un historien de l'art. Son ton, léger et dynamique, offrira aux initiés une approche ludique plus moderne et aux néophytes une immersion facilitée au coeur de l'histoire de l'art.
    Les notices s'accompagneront de citations, d'anecdotes insolites ou de mises en contexte évocatrices. Le tout sera présenté selon un graphisme soigné, moderne et élégant, agrémenté d'éléments graphiques forts (cartes, chronologies, etc.).

  • Bill Viola

    Bill Viola

    Paroles d'artiste, une collection de poche pour de´couvrir ou rede´couvrir les grands mai^tre de l'art ancien, moderne et contemporain.
    « L'art, pour moi, est une tentative de réveiller l'âme ; une âme que le monde industrialisé dans lequel nous vivons préfère endormie. » Bill Viola, Journal, non daté

  • Cy Twombly

    Cy Twombly

    Edwin Parker Twombly Jr., dit Cy Twombly (1928- 2011), est un peintre, dessinateur, sculpteur et photographe américain.
    Son travail a embrassé certains des principaux questionnements de l'art au XX· siècle: la confrontation abstraction/figuration, l'irruption de la psychanalyse, le primitivisme, la place de l'écriture en peinture, et l'hommage rendu aux maîtres et aux anciens.

    Événement : Le centre Centre Pompidou présente la plus grande rétrospective jamais organisée sur l'artiste en Europe, Cy Twombly, l'histoire de l'art, du 30 novembre 2016 au 24 avril 2017.

    L'oeuvre de Cy Twombly est présente dans plusieurs musées français et étrangers et particulièrement :
    - Paris, musée national d'Art moderne - Centre Pompidou

  • Inventeur de l'art abstrait, Vassily Kandinsky (1866 - 1944), fait partie des plus importantes figures de l'art moderne.
    « Les couleurs sont les touches d'un clavier, les yeux sont les marteaux, et l'âme est le piano lui-même, aux cordes nombreuses, qui entrent en vibration. » Du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier, 1911 Événement: Du 29 octobre 2016 au 29 janvier 2017, le musée de Grenoble présente une exposition consacrée à la dernière décennie de la vie de l'artiste (1933 - 1944) nommée généralement « La période parisienne ».
    L' oeuvre de Vassily Kandinsky est présente dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
    - Paris, musée national d'An moderne - Centre Pompidou - Nantes, musée des Beaux-Arts

  • Un Mondrian, un Calder, un Niki de Saint Phalle, un Soulages... certains artistes du XXe siècle sont entrés dans le langage courant, ils déclenchent des images, ils évoquent des objets, des motifs, des couleurs. On parle aujourd'hui du bleu Klein ou d'une silhouette à la Giacometti : c'est ancré dans notre imaginaire, tout le monde comprend. Parmi les collections du musée national d'Art moderne, les visiteurs sont capables de reconnaître un Picasso, un Matisse, un Miró... Il y a sûrement une raison à cela. Ou plutôt différentes explications. Quand certains artistes ont défrayé la chronique dès leur plus jeune âge, d'autres ont patiemment creusé leur sillon et imposé leur art. L'abstraction, le dadaïsme, le surréalisme... toutes les avant-gardes ont désormais leurs têtes d'affiche. Quelques-uns ont été récupérés par la publicité quand d'autres sont devenus des personnages de roman et de série télévisée. Chacun a créé sa propre mythologie et influencé les générations suivantes. Aujourd'hui, l'urinoir de Duchamp, les compressions de César, le portrait de Warhol, tout le monde connaît. Mais pourquoi ?

  • JR a acquis une renommée internationale à l'âge de 27 ans, lorsqu'il a reçu le prix TED. Son projet "Inside Out" a attiré plus de 200 000 personnes dans le monde. Mais JR a une ville de prédilection, il s'agit de Rio. Il démarre cette aventure carioca avec «Women are heroes.» C'est par ce souhait de laisser une oeuvre pérenne qu'en 2016, le Comité Olympique lui demande de réaliser une oeuvre à la hauteur de l'événement. C'est dans ce contexte que l'artiste va concevoir "son oeuvre la plus folle" selon ses propres mots : «Géants». Juché sur un échafaudage, un athlète haut de plusieurs étages saute par-dessus un immeuble abandonné, tandis qu'au pied du Pain de Sucre, une nageuse effraie les bateaux de passage et qu'à Barra da Tijuca un plongeur s'apprête à défier les plus grands cétacés. JR revisite ainsi Swift et le spectacle est à la hauteur de la plus grande compétition sportive au monde. Son camion va s'intaller également dans le village olympique et aux abord du stade de Maracana et les photos collées vont conduire jusqu'à la casa amarella, nouveau centre culturel installé en plein coeur de la favella et au-dessus duquel trône une lune qui domine toute la ville. Cet ouvrage retrace ici ces 10 ans de créations artistiques et son implication dans les liens tissés entre les différents visages de cette ville.

  • Un ouvrage réunissant plus d'une trentaine d'artistes contemporains internationaux (Saype, Gonzalo Borondo, Ivan Juarez, Lewis Miller, Scarlett Hooft Graafland...) s'inscrivant dans le courant du land art, mouvement né au début des années 1960 aux Etats-Unis, utilisant le champ infini de la nature comme matériau et support de création. L'artiste, par ses interventions phénoménales en forêt, en ville, à la montagne, ou encore en plein désert, sensibilise le public à la beauté de la nature et à l'urgence écologique d'en prendre soin.

  • Fondés en 1802 par Napoléon Bonaparte, les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique abritent en leur sein bon nombre de chefs-d'oeuvre qui témoignent de la richesse culturelle du pays. Leurs collections embrassent plus de six siècles d'histoire, depuis l'époque des primitifs flamands jusqu'à nos jours.

    Élaborée à partir de 1928 comme une collection d'art « vivant », la collection d'art moderne et contemporain reflète la grande aventure émancipatrice de l'art depuis 1900. Composée en grande partie d'oeuvres d'artistes belges dont la notoriété a traversé les frontières, elle illustre les principaux mouvements et développements artistiques nés au 20e siècle, et s'élargit aux grandes figures internationales, grâce à une politique d'acquisition parfaitement étudiée, dès le milieu des années 1960. Rassemblant entre autres René Magritte, Max Ernst, Marc Chagall, Salvador Dalí, Francis Bacon, Henry Moore, Josef Albers, Donald Judd, Lucio Fontana, Pierre Alechinsky, Marcel Broodthaers ou encore Christo, Luc Tuymans et David Claerbout, les MRBAB n'ont eu de cesse de développer une collection internationale de haut niveau. On y retrouve également les nombreux médiums qui ont marqué l'histoire de l'art, de la peinture à l'huile à la vidéo, en passant par la sculpture, le dessin, la photographie et l'installation. Le présent ouvrage en offre un aperçu significatif, à travers une centaine d'oeuvres étudiées et quelque 150 reproductions.

    Cet ouvrage est le deuxième volume d'une série de livres consacrés aux collections des MRBAB.

  • Genèse d'une commande exceptionnelle.
    À partir de 1982, en prévision de l'ouverture du musée national Picasso-Paris, Diego Giacometti réalise un ensemble de 50 pièces de mobilier pour l'Hôtel Salé, comprenant chaises, bancs, tables et luminaires. Celles-ci marquent l'apogée de son oeuvre et représentent ses dernières créations, puisqu'il décède en juillet 1985, deux mois avant l'ouverture du musée.
    Ce mobilier reprend les différentes thématiques que l'on peut retrouver dans son oeuvre, telles que : le goût pour la nature et le végétal, la relecture des sources antiques, grecques et étrusques, ou encore l'aspiration à créer une véritable « géométrie dans l'air ».
    Pour mieux comprendre son processus créatif, les pièces finales sont mises en regard avec différents plâtres réalisés en cours de commande, ainsi que de nombreux documents d'archives illustrant le travail de Diego Giacometti.
    Ce catalogue sera également complété par deux entretiens qui viendront éclairer la commande du musée : un scultpeur analysera le processus créatif de Diego Giacometti dans ses réalisations pour l'Hôtel Salé, et une designer industrielle présentera la commande passées par le musée à l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne) pour de nouveaux bancs.

    Auteurs:
    Daniel Marchesseau - Conservateur général honoraire du patrimoine et historien de l'art..
    Alexis Georgacopoulos - Designer, directeur de l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne).
    Philippe Anthonioz - Artiste, sculpteur.
    Isabelle Baudraz - Designer industrielle.

  • Gérard Fromanger (Pontchartrain, 1939) est un peintre français.
    Paroles d'artiste est une collection de format poche pour découvrir ou redécouvrir les grands maître de l'art ancien, moderne et contemporain.
    Cette série d'ouvrages monographiques permet d'envisager l'univers d'un artiste à travers une sélection de trente reproductions représentatives de l'ensemble de son oeuvre. Chaque reproduction est associée à une citation extraite d'un entretien, d'une correspondance ou d'un écrit de l'artiste lui-même.
    Afin de rendre accessible cette collection aux très nombreux visiteurs étrangers de nos musées et collections publiques françaises, Paroles d'artiste est bilingue anglais-français.
    En 64 pages, 31 reproductions et pour seulement 6,50 €, le lecteur se retrouve immergé dans l'esprit et l'oeuvre de Gérard Fromanger.

empty