À l'occasion du centenaire de la naissance de Simon Hantaï (1922-2008), la Fondation Louis Vuitton organise une importante exposition rétrospective de l'oeuvre de l'artiste (du 18 mai au 29 août 2022). D'origine hongroise, Hantaï s'installe à Paris en 1948, ville où il réalise l'ensemble de son oeuvre, d'une fécondité et d'une originalité exceptionnelles, qui le conduira à représenter la France à la 40? Biennale de Venise en 1982.

L'oeuvre de Frida Kahlo (1907-1954) est peu abondante. Elle ne se compose que de cent quarante-trois peintures, de format généralement réduit, dont deux tiers d'autoportraits. Ce narcissisme frappant est en lien étroit avec sa biographie, avec son pays et son époque, avec ses dons naturels complètement excentriques. Il n'est pas étonnant que les grands «énigmatiques» du XVIe siècle, Jérôme Bosch et Bruegel l'Ancien, figurent parmi ses peintres de prédilection:Frida Kahlo ne montre jamais ses blessures directement, qu'elles soient corporelles - celles qui ont été provoquées par les accidents et les maladies - ou psychologiques. Sa langue symbolique est faite de clés subtiles; elle est riche de métaphores puisées au fonds de presque toutes les cultures du monde. Les mythes fondateurs aztèques, les mythologies extrême-orientales et antiques et les croyances populaires catholiques se mêlent au folklore mexicain et à la pensée de son époque, avec Marx et Freud. Exotiques et explosives, significatives et vitales dans leur discours artistique, les images de Frida Kahlo sont le miroir d'une âme complexe et souvent effrayante:«Ma vérité intérieure», avait-elle coutume de dire.
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Toute sa vie durant, Pablo Picasso (1881-1973) a constitué de manière obsessionnelle un véritable fonds d'archives sans précédent : à sa mort, 200 000 pièces d'archives personnelles sont retrouvées (environ 20 000 manuscrits de correspondance, 11 000 extraits de son argus de presse et 15 000 photographies) auxquelles s'ajoutent de nombreux objets du quotidien rappelant des événements insolites, qui sont autant de témoignages inestimables sur sa vie intime. Derrière ce qui pourrait être perçue comme une folle sédimentation - proche du syndrome de Diogène -, Pablo Picasso, le créateur, l'enchanteur, est en réalité mu par une volonté conservatrice, qui dissimule une crainte magique, celle d'être envoûté. Le statut singulier de ces objets est lié au souvenir, à la mémoire que l'artiste y attache, au sens symbolique et imperceptible dont ils recèlent, et qui ne peut être compris sans le concours de leur propriétaire. À ces objets où vie intime et souvenirs émotionnels s'entremêlent, s'ajoutent de véritables objets-fétiches - provenant de sa collection d'arts premiers comme de sa collection d'objets personnels. Tous, selon Picasso, renferment un esprit... Superstitieux par ses origines espagnoles et italiennes, l'artiste estime que les choses possèdent un être intérieur, une âme secrète dont le but est de protéger par des moyens non pas physiques, mais magiques. À travers une galerie illustrée de ces memorabilia - des souvenirs pour lui-même, devenus des souvenirs pour les autres -, ce livre propose d'appréhender l'« Être » Picasso, en explorant une facette méconnue de l'artiste - à la fois sorcier et superstitieux -, lui qui puisait au coeur de son intimité pour exercer sa toute-puissance créatrice.
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Pour le prix d'un billet d'exposition, visitez toutes les pièces d'un musée idéal, suivez nos guides conférenciers et découvrez l'actu de l'art !
Cette revue propose une immersion inédite au coeur d'un musée imaginaire. Elle invite à une balade sur papier dans les différentes pièces du musée pour une évasion artistique et sensorielle. Dossiers thématiques, analyses d'oeuvres par des historiens de l'art, article sur les coulisses des musées ou encore l'actualité de l'art en France et à l'étranger, tels sont les articulations de cette revue caractérisée par de belles reproductions et la qualité journalistique et iconographique de GEO.

Visitons le musée idéal de pièces en pièces...
Qu'est ce qu'un musée idéal pour vous ? Entretien avec Laure Adler.
L' exposition événement sur Hokusai : 35 chefs-d'oeuvre enfin réunis !
Comment regarder un tableau au musée ? par notre conférencière Françoise Barbe-Gall.
Une pause déjeuner au restaurant du musée avec la rubrique « Un étoilé au musée », l'occasion de parler Art et Gastronomie.
Le musée idéal en herbe, un tableau expliqué aux petits.
La collection du Musée idéal pour ce numéro d'été : Peindre la Provence.
Le trésor méconnu du Louvre : la Vierge au chancelier Rolin.
Le dépliant sur le Retable d'Issenheim.
Les 10 coups de coeur de la rédaction GEO !
Le cabinet de dessins :
L'auditorium : Monet et Rothko : comment l'un a ouvert la voie à l'abstraction de l'autre.
La petite boutique du musée et toute l'actualité de l'art - les ouvrages, les films, les podcast à découvrir.
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Pour le prix d'un billet d'exposition, visitez toutes les pièces d'un musée idéal, suivez nos guides conférenciers et découvrez l'actu de l'art !
Cette revue propose une immersion inédite au coeur d'un musée imaginaire. Elle invite à une balade sur papier dans les différentes pièces du musée pour une évasion artistique et sensorielle. On y découvre notamment deux grandes expositions de peinture, les récits des meilleurs conférenciers, les coulisses des musées ou encore l'actualité de l'art. De belles reproductions, des décryptages et la qualité journalistique et iconographique de GEO dans un bel objet à collectionner, où l'information passe par l'émotion.

Visitons le musée idéal de pièces en pièces...
Qu'est ce qu'un musée idéal pour vous ? Entretien avec Michel Pastoureau.
L' exposition événement sur Claude Monet : 35 chefs-d'oeuvre enfin réunis !
Le chefs d'oeuvre du Musée : La Mise au tombeau de Raphaël.
Comment regarder un tableau au musée ? La Ruelle de Jan Vermeer.
Une pause au restaurant du musée avec la rubrique « Un étoilé au musée », Le déjeuner d'huîtres de Jean-François de Troy.
Le musée idéal en herbe, un tableau expliqué aux petits.
La collection du Musée Idéal : L'arbre en majesté ou L'invention d'un motif (1850-1900).
Les trésors méconnus du Louvre : La Vierge au chancelier Rolin de Jan Van Eyck.
Le dépliant du Retable d'Issenheim : Un polyptyque pour soulager les victimes du « feu de saint Antoine ».
Hors les murs : toute l'actualité autour de l'art.
Le cabinet de dessins : Dessiner les musées par Christelle Tea.
L'auditorium : «La couleur influe directement sur l'âme» La naissance de l'art non figuratif.
La petite boutique du musée et toute l'actualité de l'art - les ouvrages, les films, les podcast à découvrir.
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Amoureux de l'art ? Amoureux de la nature ? Ou bien amoureux des deux ? Ce livre, original et élégant, ravira un public très large.
Les auteurs y ont compilé les plus beaux dessins et tableaux où figurent des oiseaux.
Chouettes, hérons, mésanges et corbeaux se disputent la vedette. La majesté de ces animaux est ainsi mise à l'honneur chez Edgar Degas, Albrecht Dürer, Pablo Picasso et tant d'autres. Une description des conditions de réalisation des tableaux accompagnent la découverte des oeuvres.
Des pages de jeux typographiques, rendant hommage aux oiseaux avec précision et érudition, ponctuent également la lecture de ce livre pas comme les autres !

Dessinateur talentueux, maître graveur et peintre controversé, l'Américain James Abbott McNeill Whistler (1834-1903), qui partagea sa carrière entre Paris et Londres, est l'auteur de chefs-d'oeuvre atmosphériques misant sur l'harmonie des formes et des couleurs, la stylisation prenant rapidement le pas sur l'esthétique réaliste de ses débuts. Mondialement connu de son vivant, il est l'un des modèles du personnage d'Elstir d'A la recherche du temps perdu de Proust. Après son mariage en 1888, il revient habiter Paris au début des années 1890. Intime de Mallarmé, il est par lui en relation avec la mouvance symboliste, tout en fréquentant, grâce au comte Robert de Montesquiou-Fezensac (autre modèle proustien), le monde de l'aristocratie fortunée et cultivée.
Entre 1914 et 1919, le mécène et collectionneur Henry Clay Frick (1849-1919), magnat de l'acier qui dut son immense fortune à l'essor des chemins de fer puis des gratteciel, acquit une vingtaine d'oeuvres de Whistler : cinq peintures, trois pastels et douze eaux-fortes, qui constituent un ensemble remarquable, représentatif de la richesse de l'activité de Whistler et de l'évolution de son art à partir des années 1860. Cet ensemble témoigne également du goût et de l'acuité du regard de Henry Flick, qui constitua l'une des plus grandes collections particulières au monde.
A Orsay s'exposent ainsi, en regard de l'iconique Arrangement en gris et noir n° 1 : la mère de l'artiste (1871) appartenant aux collections du musée, les oeuvres emblématiques de la Frick Collection qui marquent autant de jalons dans l'oeuvre de Whistler, tels la Symphonie en gris et vert : l'océan (1866) ou Arrangement en noir et or : le comte Robert de Montesquiou-Fezensac (1891-1892), portrait où se ressent l'influence de Vélasquez. Sont également présentés plusieurs pastels et eaux-fortes de Venise, où le peintre séjourna en 1879 et 1880, et qui marque un tournant dans sa production.
Whistler y livre une vision renouvelée de Venise, n'hésitant pas à s'aventurer sur les canaux, dans les cours inconnus, ou à décrire la lagune de nuit, montrant une ville vivante, avec ses habitants et son activité quotidienne.
A travers les destins croisés de Henry Frick et de James Whistler, l'ouvrage, en retraçant l'histoire de la prestigieuse Frick Collection, explore les ressorts et les évolutions du marché
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Akseli Gallen-Kallela (1865-1931) compte parmi les artistes les plus emblématiques de l'art finlandais du tournant du XXième siècle. Célèbre pour son importante participation au pavillon finlandais de l'Exposition universelle de 1900 à Paris ainsi que pour sa contribution à l'iconographie nationale, le peintre demeure associé à l'affirmation de l'identité finlandaise. Gallen-Kallela est pourtant l'auteur d'une oeuvre aux facettes multiples?: explorant une multitude de media et de formats, il a embrassé une grande variété de thèmes et de styles, du naturalisme au symbolisme en passant par l'expressionnisme.
Voyageur et artiste cosmopolite, Gallen-Kallela est également un explorateur inlassable des contrées les plus reculées de sa terre natale dont la beauté sauvage lui inspire un vaste répertoire de motifs. Tournant le dos à la modernité industrielle, le peintre offre de nombreuses représentations d'une nature inaltérée et qui semble habitée de forces mythologiques. Son échappée hors de la ville et ce souci d'harmonie avec les éléments naturels résonnent avec nos préoccupations les plus actuelles. Au prisme de la question de la relation de l'homme à la nature, c'est finalement tout un idéal artistique qu'a tenté de concrétiser Gallen-Kallela et que dévoile l'exposition du Musée Jacquemart-André.
Présentant une soixantaine de compositions de cet artiste parmi les plus célèbres de Finlande, «?Gallen-Kallela. Mythes et Nature?» apporte un nouvel éclairage en langue française sur son oeuvre, dans une monographie exceptionnelle réalisée avec le précieux soutien de collections publiques et privées, et en particulier du Musée Gallen-Kallela d'Espoo.
Ce catalogue s'attache aux liens qui unissent l'artiste à la nature et à la mythologie tout au long de sa carrière, depuis les premières oeuvres naturalistes jusqu'aux paysages symbolistes.

Sous la direction de Laura Gutman et Pierre Curie. Avec des contributions de Tutta Palin, Ville Lukkarinen, Tuija Wahlroos, Anne Pelin, Salla Tiainen, Lotta Nylund.
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À travers un parcours thématique, intime et introspectif, cette exposition immersive révèle la tourmente intime de Cezanne, la force de ses constructions, son rapport à la lumière et aux couleurs et son lien avec la nature, qui reste son grand modèle, sa référence obsessionnelle. Vous êtes immergé dans la nature, sous les grandes frondaisons des arbres et forêts, des parcs et jardins où se reposent les baigneuses pour finir sur la nature cezannienne par excellence : Bibémus, l'Estaque, et, point culminant, la Sainte-Victoire.

Le portrait dit des Époux Arnolfini a été peint par Jan Van Eyck en 1434 : énigmatique, étrangement beau, sans précédent ni équivalent dans l'histoire de la peinture... Cet ouvrage offre un voyage au coeur de ce tableau, qui aimante par sa composition souveraine et suscite l'admiration par sa facture. Touche après touche, l'auteur décrypte les leurres et symboles semés par l'artiste sur sa toile, à l'image d'un roman policier à énigmes. Alors le tableau prend corps, son histoire se tisse de manière évidente et les personnages qui nous regardent dans cette scène immuable prennent vie devant nous...

Un voyage en images dans l'histoire de la peinture à travers ses chefs-d'oeuvre.

- Chaque oeuvre est accompagnée d'une notice détaillée, d'une biographie de l'artiste et du contexte historique - Des zooms pour comprendre la technique de l'artiste - Plus de 1 000 détails agrandis et commentés.

Pénétrez au coeur de la peinture par le biais des images. Un schéma de navigation et de nombreux outils vous aideront à comprendre la composition de l'oeuvre avant de découvrir ce qui se cache derrière chaque détail. Du Rouleau de Qingming de Zhang Zeduan, à l'Athanor d'Anselm Kiefer, l'auteur propose une sélection originale et représentative de l'histoire de la peinture.

La légende du peintre voyou et maudit qui s'attache au Caravage trouve ses origines dans la vie tumultueuse de cet homme, prompt à dégainer l'épée, jusqu'à l'assassinat qui fera de lui un fugitif. Mais il est également habile courtisan dans la Rome des années 1600, très vite peintre adulé des prélats et des princes. Il est enfin, en contraste avec la Renaissance, finissante et maniériste, le précurseur du réalisme en peinture, premier d'une famille d'artistes qui, même si elle n'a pas été une école, a pris le nom de caravagisme. C'est ce Caravage-là, peintre avant tout, que José Frèches suit dans les ruelles obscures de Rome, de Naples, de Malte ou de Syracuse...

« L'art ne devrait pas être une voie toute tracée. Il est inutile de se préoccuper de savoir si on est lié à quelque chose puisque de toute façon il est impossible de ne pas l'être. Le style est une supercherie.
J'ai toujours pensé que les Grecs se cachaient derrière leurs colonnes. C'était une idée affreuse de chercher, comme Van Doesburg et Mondrian, à produire, de toutes pièces, un style. La force réactionnaire du pouvoir consiste précisément à perpétuer le style et tout le reste.
» Willem de Kooning

Antoni Gaudi (1852-1926), architecte et créateur de génie, a marqué l'Espagne au tournant du XXe siècle et continue de fasciner de nos jours. Pour la première fois depuis cinquante ans en France, une exposition de grande envergure est consacrée à ce maître de l'Art nouveau. Ce hors-série qui accompagne l'exposition montre ainsi l'extraordinaire créativité de cet artiste singulier, porteuse des bouleversements à l'oeuvre dans la Catalogne de la fin du XIXe siècle, et qui s'exprime autant dans les détails de son mobilier qu'à l'échelle d'un projet architectural hors du commun : la Sagrada Familia à Barcelone.

Héritière de Kandinsky et de Matisse, Shirley Jaffe s'inscrit d'abord dans la mouvance de l'expressionnisme abstrait et ses premières peintures débordent d'une grande énergie gestuelle ; les couleurs vives sont travaillées en larges coups de pinceau. À partir des années 1970, son oeuvre ouvre une voie plus personnelle, elle abandonne le geste et la matière pour des couleurs circonscrites par une géométrie libre. La composition se fait plus frontale et l'idée de chaos devient une métaphore et un moteur pour dégager de solides blocs de couleurs disjoints et rabotés par un « ciment » blanc de plus en plus insinuant. Hospitalière, Jaffe a accueilli nombre de jeunes artistes chez elle, mais elle a toujours demeuré secrète sur sa vie personnelle et laconique sur ses convictions féministes. Une iconographie riche d'oeuvres de Shirley Jaffe ainsi que des photographies d'archives inédites illustre cette monographie. Cet ouvrage réunit les textes de Frédéric Paul, conservateur pour l'art contemporain au Musée national d'art moderne, Svetlana Alpers, historienne de l'art américaine reconnue, Claudine Grammont, directrice du musée Matisse de Nice ainsi qu'un entretien de l'artiste mené par Robert Kushner.
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Née en novembre 1887 dans le Wisconsin, Georgia O'Keeffe étudie à l'Institut d'art de Chicago et à la Ligue des étudiants en art de New York. Figure incontournable du cercle d'Alfred Stieglitz, éminent photographe et galeriste new-yorkais dont elle sera la muse et la compagne, elle est au centre de l'effervescence de l'art américain au début du XXe siècle.
Tout au long du siècle, elle dessine en pionnière une voie qui lui est propre, entre figuration et abstraction, modernisme et primitivisme, végétal et minéral, nature et architecture. Ses vues urbaines, ses fleurs, ses paysages hypnotiques - rives sylvestres de Lake George, plaines et canyons du Texas, panoramas désertiques du Nouveau-Mexique ...-, ses squelettes et os d'animaux, souvent en gros plan, forment des motifs récurrents qui s'inscrivent dans un courant biomorphique et subjectif en rupture avec l'abstraction géométrique.
À travers cette monographie de référence, Citadelles & Mazenod invite ses lecteurs à célébrer l'originalité et la singularité d'une artiste visionnaire, en présentant un panorama iconographique d'une ampleur sans précédent.
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En quête d'une hypothétique origine de l'art comme nombre de ses contemporains, Paul Klee a porté son regard sur la création «des enfants, des fous et des primitifs». L'exposition «Paul Klee. entre-mondes» renoue le dialogue entre des oeuvres réalisées à différentes périodes de sa carrière et un ensemble d'objets et de documents issus de sa collection personnelle.

Ce livre au format accordéon renferme deux oeuvres dos à dos:D'un côté, The Parade, épopée sans paroles portée par des dessins expressifs. Ce classique oublié a été créé peu après la Seconde Guerre mondiale et publié initialement en 1957. The Parade, restauré d'après les dessins originaux, augmenté de planches inédites réinsérées dans la continuité sur les indications de Si Lewen, était et reste à ce jour une oeuvre révolutionnaire, un cri du coeur sur l'éternelle soif de guerre de l'humanité et ses conséquences atroces.Au recto des dessins, L'Odyssée d'un artiste préparée, rédigée et mise en page par Art Spiegelman, comprenant une biographie complète et une mise en perspective dans l'histoire de l'art, fait découvrir au lecteur la vie et l'oeuvre singulières de Si Lewen au fil d'une monographie abondamment illustrée de peintures qui ont jalonné la longue et prolifique carrière d'un artiste mort en 2016. Le peintre que l'on redécouvre a renoncé à un succès annoncé dans le New York d'après-guerre pour s'immerger dans son art plutôt que dans le «monde de l'art». Il a poursuivi un projet formulé dans l'enfance, de disposer ses tableaux les uns à côté des autres pour leur permettre de «parler entre eux», une conception sérielle très en avance sur son temps qui se reflète dans le format exceptionnel de ce livre.
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Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre de Turner, l'un des plus grands artistes romantiques, aquarelliste de génie, maître du paysage historique et pionnier des recherches sur la lumière. Turner est tout cela à la fois, et son ambition est immense. Reconnu très tôt par la Royal Academy de Londres, il voyage dans l'Europe entière, de Venise aux Alpes et à la Normandie. Insatiable, il diversifie ses inspirations et ses techniques. Tempêtes et naufrages, dévastations et incendies, lutte des éléments ou de forces supérieures, précipices et perspectives infinies, éblouissements jusqu'à l'aveuglement sont de ses sujets. Celui qu'on surnomme le peintre de la lumière n'a cessé par ses oeuvres d'approcher l'insaisissable.

Berthe Marie Pauline Morisot, née le 14 janvier 1841 à Bourges et morte le 2 mars 1895 à Paris, est une peintre française, membre fondateur et doyenne du mouvement d'avant-garde que fut l'Impressionnisme.

Berthe Morisot était une « rebelle ». Tournant le dos très jeune à l'enseignement académique du peintre lyonnais Chocarne, elle a fondé avec Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Edgar Degas le groupe d'avant-garde les « Artistes Anonymes Associés », qui allait devenir la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs regroupant des impressionnistes. Sa volonté de rupture avec les traditions, la transcendance de ses modèles, et son talent ont fait d'elle « la grande dame de la peinture » selon Anne Higonnet.

Vous découvrirez à travers cet ouvrages ses peintures lumineuses, décrivant des tranches de vie.
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Ce nouveau "Cahier de la Collection Lambert", un numéro double, bilingue français-anglais, est consacré à Cy Twombly (après ceux consacrés à Niele Toroni, Nan Goldin, Rob Ryman, Sol Lewitt), artiste américain parmi les plus reconnus, dont le travail est particulièrement bien représenté dans la Collection Lambert, témoignant de la complicité entre l'artiste et le collectionneur.
La Collection Lambert est le témoignage d'un marchand visionnaire, qui s'est passionné pour l'art minimal, l'art conceptuel et le land art avant de s'intéresser au retour de la peinture dans les années 1980, puis à la photographie, à la vidéo et aux installations dans les années 1990 et 2000.

Après trois siècles d'oubli, une poignée d'historiens d'art assemble depuis 1915 les pièces du puzzle Georges de la Tour (1593-1652). La vie et l'oeuvre de l'artiste restent aujourd'hui encore nimbés de mystère. Lorrain, vraisemblablement formé à Paris et en Italie, La Tour s'installe à Lunéville en 1616 où il assoit d'abord une réputation de peintre régional avant de séduire une clientèle parisienne pour enfin gagner le rang de "fameux peintre" de Louis XIII. Ses coloris chatoyants et sa science du dessin ouvrent la voie à la fin des années 1630 aux nocturnes, d'une simplification sans précédent.
Examinant méticuleusement les oeuvres, Jean-Pierre Cuzin parvient à recomposer la création de l'artiste en la situant dans sa biographie, si lacunaire soit-elle. Il apporte un nouvel éclairage sur le corpus du peintre (oeuvres attribuées, copies, d'atelier ou de suiveurs) faisant le point sur les derniers travaux de recherches. Son propos est servi par une iconographie abondante et de grande qualité ainsi que par de nombreux détails d'oeuvres. Par leur sublime obscur, la douceur de leurs silhouettes, cet attendrissant sentiment de candeur qu'ils dégagent, La femme à la puce, Madeleine, Saint Joseph et l'ange, Le Nouveau-né nous hanteront encore longtemps.
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